Knock Out al corazón (Comentario de Creed II: defendiendo el legado, 2018)

Por Ricardo Diaz
Nuevamente Sylvester Stallone encarna a la leyenda del boxeo Rocky, entrenando una vez mas a Adonis en la que será la pelea más importante, porque ambos deberán enfrentar demonios del pasado.

En 2015 Ryan Coogler nos hacía subir al cuadrilátero una vez más para ver pelear al Semental Italiano, esa vez en otro tipo de batalla, una mas personal. En el camino veíamos como el hijo de su amigo, Apolo Creed, se convertía en la nueva promesa del peso pesado. Juntos daban batalla en una película que lo dejaba todo, tanto dentro como fuera del ring. 

En esta nueva entrega, los años han pasado y Adonis (Michael B. Jordan, Black Panther) sigue ganando peleas para hacerse con el cinturón de campeones, lugar ocupado por su padre Apolo, y su actual entrenador. Todo parece ser perfecto, su novia Bianca (Teesa Thompson) esta embarazada, Rocky ha vencido a su enfermedad, y sus victorias lo consagran con el gran título soñado. Sin embargo, todo esto se verá puesto a prueba cuando llegue el reto que definirá toda su vida.

En la otra parte del mundo, encontramos a Víctor Drago (Florian Monteanu), un boxeador ruso implacable que es hijo de Ivan Drago (Dolph Lundgren, Rocky IV) responsable de la muerte de Apolo Creed. Padre e hijo desafiaran al nuevo campeón, reavivando viejos rencores y heridas que aun no han sanado.

Durante todo el film vemos como Adonis atraviesa todo este aprendizaje que en un primer momento parece tener el mismo destino de su padre en una pelea en la que queremos abalanzarnos sobre la pantalla para que arrojen la toalla. En esta oportunidad Steven Caple Jr es quien esta detrás de cámaras, y logra transmitir la pasión y lo que implica cada film de esta saga pugilística, y principalmente entiende y sabe lo que los seguidores esperan en cada nueva entrega.

Las escenas de boxeo superan a la anterior. Cada golpe de estos dos pesos pesados se hacen sentir y por momentos hasta nos duelen. Están muy bien coreografiadas y se nota el desempeño de los actores por hacerlas creíbles, realmente podrían ser boxeadores profesionales. La música nuevamente esta a cargo de Ludwig Göransson y en esta ocasión se suma el rapero Mike Will Made-It que aporta ese estilo callejero afroamericano, haciendo una combinación que funciona como un gancho perfecto para hacernos vibrar cada fibra de nuestro ser. La secuencia clásica del entrenamiento, en esta oportunidad realizada en el desierto como una especie de retiro para boxeadores es monumental.

Queda claro que este film funciona como una especie de legado a lo que fue Rocky, cerrando de alguna manera la historia del personaje de Sylvester Stallone, pero sabiendo que a pesar de los golpes, tanto de oponentes como los de la vida misma, ha tenido su recompensa. Y la cuenta pendiente que acarreaba por la muerte de su amigo Apolo, logra saldarla de alguna manera al estar al lado de Adonis y guiarlo como boxeador y como persona. A su vez es como una despedida, ya que como él le dice al finalizar el combate ‘’ahora es tu momento’’.

Algunos diran que es la misma historia contada mil veces y que básicamente es lo mismo que vimos en Rocky IV, y tienen razón. Pero ahora como una especie de venganza por parte de ambos contendientes. Uno para vengar la muerte de su padre, y el otro para recuperar el honor de su progenitor, dado que tras la derrota en Moscú, el personaje de Lundgren lo perdió todo, su reputación y hasta a la hermosa Brigitte Nielsen quien fuera su esposa. Solo tiene a su hijo como única posibilidad de recuperarlo todo, por lo que su rencor ha sido su legado hacia su hijo. Esto es argumento suficiente para que el film tenga carga emotiva, sin importar que nos cuenten una vez mas esta historia de gladiadores sobre un ring.

Todos los que hemos crecido con esta saga desde su primer entrega en 1976 y para aquellos que la han descubierto con el paso del tiempo con sus posteriores secuelas, e inclusive con este nuevo arco argumental centrado en Creed, buscamos emocionarnos, porque todas las cintas tienen un mensaje de superación que es inspirador, que nos motiva siempre a buscar nuestro ojo de tigre.

Calificación:**** (Muy Buena)

Creed II (2018) – País: Estados Unidos – Director: Steven Caple Jr – Guion: Cheo Hodari Coker, Sylvester Stallone – Elenco: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Florian Monteanu, Ralph Lundgren, Teesa Thompson, Phylicia Rashad – Fotografía: Kramer Morgenthau – Música: Ludwig Göransson – Duración: 130 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Michael B Jordan, Sylvester Stallone, Florian Monteanu en Creed II (IMDb)

Bienvenidos al matriarcado (Comentario de Suspiria, 2018)

Por Ricardo Diaz

Luca Guadagnino reversiona el clásico film de Darío Argento y nos introduce en un aquelarre femenino que nos hechiza hasta el final.

A finales de los años 70, la situación política en Alemania era menos que caótica, había represiones hacia aquellos que buscaban una reforma democrática y varios de estos disidentes eran jóvenes y personas vinculadas al arte.

En este contexto, llegamos a Berlín, en donde conocemos a Sussie Bannion (Dakota Johnson, Cincuenta Sombras de Grey) una bailarina de Nueva York que decide ingresar a la gran Academia de Danza Tanz. Una vez dentro, descubrirá que yacen oscuros secretos y un gran poder que la seducirá y le hará descubrir su propósito.

Toda comparación siempre es odiosa y hasta injusta a veces, pero necesaria para poder hacer una especie de espejo entre ambas y poder así descubrir sus diferencias y de esta manera llegar a la conclusión de que son muy disimiles entre si. La cinta original de 1977 de Darío Argento (El gato de las 9 colas, Prfondo Rosso), se destacaba por su gran fotografía y un uso de los colores que la volvían como una especie de cuento de hadas o sueño, en donde la protagonista descubría este lugar plagado de brujas ancestrales en donde ella luchaba por escapar y todo ello bajo la estética clásica del giallo.

Mas de cuarenta años después Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre) nos entrega otra visión de esta particular historia, pero en esta ocasión con un marco político de la época, y dándole mas presencia a la figura de la mujer y lo que representa. Tanto es así, que en esta nueva versión ese manejo de los colores tan deslumbrante de su antecesora está ausente, es más, prácticamente todas sus escenas están en una gama de ocres y grises. Acá la clave es la danza, el baile, como una forma de mostrar ese poder femenino. Un claro ejemplo está plasmado, en quizás una de sus mejores escenas, donde la fuerza de los movimientos de Sussie, se extienden hacia otra habitación en la que muere otra bailarina de una manera violenta, grotesca pero a su vez placentera de ver.

Las coreografías ya no se centran en lo clásico, sino mas bien en una danza contemporánea con movimientos espasmódicos, cortos y el nombre de la coreografía que presenta la academia se llama Volk (el pueblo en idioma Alemán), otro punto que denota su contexto histórico.

La labor de Dakota Johnson y Tilda Swinton son destacables. Se establece una especie de relación madre/hija o maestra/ discípula y ese vínculo/sentimiento va creciendo porque la bailarina en vez de huir al descubrir que esta dentro de un aquelarre, se siente atraída por él, como si su destino fuese haber llegado a Tanz. Es por eso que la escena final (climax del capitulo VI) es majestuosa y shockeante porque  se define el nuevo destino del conciliábulo y Sussie es clave en ello. La famosa historia de las tres madres brujas de Argento, en esta nueva pieza está presente, pero también con un nuevo giro y otra forma de interpretarla, con un mensaje más profundo y una carga emocional mayor.

Si bien vez está mas alejada del giallo, es claramente una película de terror. Su trama se desarrolla lentamente, y a medida que conocemos a las integrantes de esta academia que son como una especie de familia en donde todas son lideradas por la reina madre Madame Blanc (Tilda Swinton, el gran hotel Budapest) empezamos a sentir una sensación de incomodidad, porque descubrimos lo que son realmente estas matronas y en lo que se convierten las jóvenes bailarinas. Este sentimiento, junto con escenas de sueños perturbadores e inquietantes, con el agregado de altas dosis de sangre, la convierten en una experiencia realmente aterradora.

Suspiria es un film que se logra apreciar por completo después de haber terminado. En un principio sus casi dos horas y media pueden resultar innecesarias, pero después el film decanta y podemos entender casi por completo lo que nos quiso enseñar el director. Logramos comprender esas escenas que en un primer momento nos pueden llegar a sobrar, como lo son los flashbacks del personaje de Dakota cuando es una ni;a y vemos a su estricta madre religiosa que le teme y sobretodo la razón de ese epilogo que nos deja desconcertados al principio, pero cuando lo interiorizamos, descubrimos el mensaje de Guadagnino: a veces la única forma de calmar a la culpa es poder olvidar.
Calificación ****(Muy Buena)

Ssupiria (2018) - Pais: Italia/Estados Unidos - Director: Luca Guadagnino - Guión: Dario Argento, Daria Nicoldi - Elenco: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloe Grace Moretz, Angela Winkler, Mia Goth - Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom - Música: Thom Yorke - Duración: 152 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Dakota Johnson y Elena Fokina en suspiria (IMDb)

Mi reflejo (Comentario de No Mires, 2018)

Por Ricardo Diaz

Una adolescente con problemas de adaptación descubre en el espejo su reflejo siniestro que puede solucionarle todos sus problemas.

La adolescencia ya se sabe que para algunos es una etapa complicada, es una instancia de cambios y en donde nuestra personalidad se define en base a nuestras vivencias, y a todo lo que nos rodea. Si a todo eso le sumamos una secundaria en donde están las típicas burlas constantes y unos padres poco afectivos, esta personalidad puede llegar a resquebrajarse.

El director israelita Assaf Bernstein nos cuenta la historia de María (India Eisley, Inframundo: el despertar) una chica retraída que sufre bullyng por parte de sus compañeros en su ultimo año de la secundaria. El constante hostigamiento de ellos, una amiga (Penelope Mitchell) que no es del todo tal, el florecimiento del primer amor y una falta de comunicación con sus padres, harán que María conozca a su reflejo Airam (lean el nombre de derecha a izquierda), quien está dispuesta a ayudarla a que deje atrás todos sus problemas y complejos. Para ello solo deben intercambiar lugares. Cuando su reflejo pase del otro lado del espejo al mundo real las cosas cambiarán realmente.

No es la primera vez que vemos un film que se centra en esa parte de nuestra personalidad que decidimos ocultar o reprimir por temor. Desde el psicoanálisis, sería dejar suelto a nuestro ello para que solo nos guíe por impulsos que nos generen satisfacción, sin mediar reparo de las consecuencias que tal vez puedan traer.

La película por momentos es muy lenta, con escenas repetitivas de María encontrándose con su doble en el baño, hasta que llega el punto en que Airam se libera de su prisión de cristal. El hecho que lo provoca, claramente puede ser tomado como una especie de homenaje a Carrie (1976) de Brian de Palma, solo que no hay sangre ni poderes telequinéticos. Esta nueva personalidad se hace más fuerte con el paso del tiempo así como su perversión y sed de venganza.

Un error es ubicar al film dentro del genero de terror, ya que despista y genera otras expectativas que puede no llegar a satisfacerse, ya que es un trhiller psicológico adolescente. 

Los padres interpretados por Jason Isaac (Harry Potter) y Mira Sorvino (Mimic) complementan la historia y a su vez son la base de ella. El padre como un frío cirujano plástico que no es capaz de ver mas allá de las "imperfecciones" físicas, y la madre que presiente que algo está sucediendo con su hija y que puede ser producto de un hecho del pasado que esta por revelarse. El clímax de ambos personajes son una de las cosas destacables del film, ya que ambos deberán hacerse cargo de sus pecados al enfrentarse a Airam. Además cuenta con momentos bien logrados como la escena de persecución entre Maria/Airam y su amiga sobre patines de hielo en donde hay cierta originalidad y crea un buen momento hasta su desenlace.

Si bien al terminar la cinta tal vez puedan quedar preguntas con un final medio inconcluso, pero es precisamente todo lo contrario. Es el cierre perfecto para lo que plantea originalmente, un drama familiar, en donde todos han decidido callarse la verdad y simular que todo está bien.

De esta manera, el realizador israelí entrega una obra que es meritoria por su osadía en mostrar una historia compleja en donde hay varias cosas entre lineas, algunas mejor resueltas que otras debido a las habilidades actorales del elenco, pero se aprecia y se valora ese interés por intentar salirse de lo clásico y por momentos incomodar, ya que todos alguna nos hemos asombrado o inclusive asustado con la imagen que nos devuelve el espejo cuando estamos frente a él.

Calificación:***(Buena)

Look Away (2018) - País: Canadá/USA - Director: Asaaf Bernstein - Guión: Asaaf Bernstein - Elenco: India Eisley, Jason Isaac, Mira Sorvino, Penelope Mitchell, Harrison Gilberston - Fotografía: Pedro Luque - Música: Mario Grigorov - Duración: 103 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Un lugar a ciegas (Comentario de Bird Box, 2018)

Netflix nos vuelve a traer una producción propia y nos presenta una especie de apocalípsis en donde no ver es la clave de la salvación.

Cada vez son mas comunes las producciones o adaptaciones literarias de futuros post-apocalípticos, en donde la humanidad es puesta a prueba a fuerzas inexplicables y solo un grupo reducido puede sobrevivir. Las claves de dicha supervivencia son varias, en esta oportunidad nuestros ojos son los responsables de nuestra perdición.

Nunca se sabe el por qué del evento que provoca que los seres humanos comiencen a suicidarse en masa, solo sabemos que se desencadena en Europa y como es lógico, no tarda en llegar al país del Tío Sam,  desatando el caos en toda la población. Un variopinto grupo de sobrevivientes se refugiaran para intentar comprender qué sucedió. En ese extraño rejunte de personas, está Malorie (Sandra Buloock, las estafadoras, gravedad) una futura madre soltera con problemas para conectarse con los demás que deberá superar sus propios miedos no resueltos para volver a sentirse completa.

El filme de Susanne Bier lamentablemente se asemeja a Un lugar en silencio (John Krasinski, 2018) ya que prácticamente la premisa es la misma y el desarrollo general del filme es bastante similar. Aun así el resultado final es ameno y es aceptable la decisión de sacrificar dos horas de nuestra preciada vida. Gran parte de este logro es por la actuación de Sandra Bullock como la madre de dos niños que realizará una travesía por todo un bosque y cruzará los rápidos literalmente ciega en una escena que esta muy bien realizada. A su vez el personaje de ella genera emociones encontradas ya que por momentos su frialdad y desapego hacia el resto puede resultar chocante y generar rechazo. Sin ir mas lejos a sus hijos los llama "niña" y "niño". Solo hacia el final vemos signos de cambio que nos hacen replantear nuestra posición hacia ella.

La idea de contar la historia a través de dos lineas temporales provoca que por momentos sea lenta y en otros mas acelerada, pero permite que el espectador esté atento al salto cronológico y así ir armando todos los hechos hasta llegar al punto en que ambas lineas alcanzan el presente para el clímax final, en una escena digna de un episodio de la serie Lost (2004-2010) por la manera en la que se manifiesta esta especie de ángel de la muerte capaz de llevarse a todo aquel que se anime a mirar y contemplar la tristeza mas grande que uno pueda llegar a experimentar al punto de suicidarse, con la excepción de los locos que se convierten en una especie de discípulos que salen a buscar a todos los escasos sobrevivientes para mostrarles "la belleza" a aquellos que se niegan a "ver".

Este argumento tal vez genere cierta confusión porque no se logra comprender realmente, salvo la explicación básica usando el preconcepto de lo que amerita no estar del todo cuerdo y que por alguna razón este tipo de gente percibe las cosas de manera opuesta a la realidad. La idea en general de esta especie de apocalipsis que se desata es enmarañada, porque no se puede discernir si es una especie de castigo o de salvación.

Esto de cualquier manera es de esperar, porque es un producto pensado para generar curiosidad y captar miles de vistas curiosas, y en ese punto el film cumple con su directiva principal, ya que presenta un titulo intrigante (Bird Box, algo así como "casa para pájaros"), un elenco con actores reconocidos, una historia sin muchas complicaciones. un personaje ambiguo en cuanto a empatía con el público, una muy buena edición de sonido (se luce el score compuesto por Trent Reznor y Atticus) y unos pocos efectos especiales pero correctos.Todo ello orquestado por una directora que conoce las nuevas reglas de las plataformas de entretenimiento de estos tiempos.

Calificación: ***

Bird Box (2018) - Pais: Estados Unidos - Director: Sussane Bier - Guión: Eric Heisserer, basado en la novela de Josh Malerman - Elenco: Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich, Sarah Paulson, Jacki Weaver, Tom Hollander - Fotografía: Salvatore Totino - Musica: Trent Reznor, Atticus Ross

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Compasión por el diablo (Comentario de Malicious: en el vientre del diablo, 2018)

Michael Winnick hace un rejunte de diversos films en donde el hijo en camino viene de las profundidades del infierno y utiliza algunos elementos de franquicias recientes (El Conjuro, Annabelle) para lograr algunos sustos.

La historia transcurre en Mississipi, en donde una pareja de recién casados se muda a una casa en la que han sucedido ciertos hechos que desconocen. Lisa  (Bojana Novakovic, al filo de la oscuridad) está embarazada y su esposo Adam (Josh Stewart, El juego del terror, Juegos de muerte) es contratado como el nuevo profesor de matemáticas de la escuela del lugar. Las cosas se complican cuando Lisa abre una cajita que les fue obsequiada, ya que libera una entidad malévola que toma la vida del bebe y por ende va a querer que su nueva mami lo cuide.

Como es de esperar se produce la lucha entre la ciencia y lo paranormal. La casa es cubierta de micrófonos para probar la presencia de algo que no podemos ver a simple vista y para ello es necesaria la presencia de alguien sensible a dichos fenómenos. Ahí aparece Delroy Lindo (Malcolm X) como un profesor ciego dedicado a lo paranormal.

La película presenta algunos elementos interesantes, como el de la presencia de una pintura que va cambiando a medida que transcurre la historia, como una especie de advertencia de lo que está por suceder. Y la manifestación de esta entidad demoniaca (femenina por cierto)  que se presenta en distintas etapas de crecimiento. Desde su primera aparición como una beba terrorífica (muy feo el efecto utilizado) hasta llegar a una anciana putrefacta cariñosa. 

Fuera de ello, el film no presenta gran originalidad, sigue el curso de cualquier otra película de la misma temática, en la que ya sabemos hasta las posibles escenas que se están por suceder. Incluido el típico doble final que nos hace aterrorizar sabiendo que pueden llegar próximas secuelas. Las actuaciones son planas, y el rostro enfermizo/dolorido de Josh Stewart permanente, no nos deja saber cuando realmente está mal. Hasta cuando se ríe parece que le doliera algo. 

En 1968 Roman Polansky estrenaba su polémica película el Bebe de Rosemary, la historia de una mujer embarazada que tiene la certeza que su hijo no nato no es de este mundo, el film es imperdible y la manera de tratar el suspenso es inigualable. A partir de ella varios realizadores intentaron repetir la misma premisa. Al 2018 siguen intentándolo, y como dirían The Rolling Stones es momento de que ya sientan  compasión por el diablo y dejen a su progenie en paz.

Calificación: **

Malicious (2018) – País: Estados Unidos  – Director: Michael Winnick – Guión: Michael Winnick – Reparto: Josh Stewart, Bojana Novakovic, Delroy Lindo – Fotografía: Felix Cramer – Música: Jeff Cardoni – Duración: 90 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Menta y limón - Comentario de Matar o Morir (Peppertmint, 2018)

Pierre Morel intenta hacer la versión femenina de Búsqueda Implacable (Taken,2008) pero el resultado es algo insípido como un helado de menta al agua.

Hace ya un par de años que se instauró como una especie de subgénero dentro del cine de acción, en donde el integrante de una familia pierde a todos sus seres queridos y se convierte en una especie de John Rambo y desata su propia guerra en pos de la búsqueda de justicia, y por qué no, venganza personal.

Siguiendo esta línea aparece matar o morir, la nueva película de Pierre Morel, responsable de convertir a Liam Neeson en un duro patea traseros a sus sesenta años con la muy bien lograda Búsqueda implacable. 

En esta oportunidad la trama gira en torno a Riley North (Jennifer Garner, Electra, Alias) una madre que es acribillada a tiros junto a su familia en el cumpleaños de su hija por una banda de narcotraficantes. Como es de esperar, milagrosamente es la única sobreviviente, sólo para descubrir que todo el sistema judicial y policial está corrompido por los mismos que se llevaron a su familia. Por tal motivo ella va a ser la encargada de hacerlos pagar a toda costa.

La película por varios momentos tiene el aspecto de un videojuego, de hecho hay muchas similitudes con Max Payne (John Moore, 2008), en donde juntamos todas las municiones que nuestro cuerpo pueda soportar y el objetivo es matar a la mayor cantidad de traficantes hasta llegar al villano de turno, en este caso un jefe del Cártel de México llamado Diego García (Juan Pablo Raba, Los 33 una historia de esperanza, Narcos). Y por supuesto una pareja de detectives (John Ortiz y John Gallagher Jr) que intentaran detenerla antes de que se haga daño a ella misma, si logran solucionar los propios asuntos internos que tienen en su departamental.

El realizador pone en pantalla la opinión del publico ante los hechos de violencia que desata Riley, y vemos como el pueblo está de acuerdo con su cruzada violenta, llevándola a la figura de heroína/vigilante. 

Asi, el director pretende criticar al sistema y la violencia que hay en el mundo, y a su vez la justifica, y más si el Estado no nos protege como debería. Pero, seamos sinceros, ¿podría una sola persona desbaratar todo una operación de narcotráfico? 

Hay un mensaje de empoderamiento de la mujer, en donde nadie puede detenerla ni pasarla por arriba y que también puede ser alguien rudo capaz de disparar en la cabeza y de crucificar a alguien en un escritorio y volarlo por los aires a los minutos después. En ese sentido el film funciona, y Jennifer Garner demuestra que a pesar del paso del tiempo puede hacerse cargo de los chicos malos ella solita, aunque resulte difícil de creer.

Las secuencias de acción son aceptables, hay tiros y cosha golda en varias oportunidades que por momentos la vuelven divertida y cumple su función de entretener.

Hay una escena en particular en la que ella sale maltrecha de una operación  a lo team SWAT en la que llega a la casa de una de las madres de las compañeras de su hija en la que se limpia una de las heridas y el remate de esa escena es un claro ejemplo de que el objetivo es atraer al público femenino a este género lleno de testosterona y anabólicos. De hecho, si tiene éxito, es muy probable que aparezca su secuela y ya que está muy de moda en estos tiempos hacer inclusive un crossover con el personaje de Liam Neeson.

El título original del film es Peppermint, que sería algo así como helado de menta. Esa frescura está, pero es algo de unos minutos, es algo pasajero. Haría falta un toque de limón para que la menta tome fuerza y el sabor sea más intenso y nos deje ganas de más.

Calificación: **

Peppermint (2018) – País: Estados Unidos – Director: Pierre Morel - Guión: Chad St. John – Reparto: Jennifer Garner, Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr, Juan Pablo Raba – Fotografía: David Lanzenberg – Música: Simon Franglen – Duración: 101 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

China en tus manos - Comentario de locamente millonarios (Crazy Rich Asians, 2018)

El director John M. Chu nos hace olvidar por un rato de todos los tanques Hollywoodenses y las faltas de ideas y nos hace viaja a Singapur en su nueva comedia romántica.

Nic Young (Henry Golding, un pequeño favor) y Rachel Chu (Constance Wu, Ninjago la pelicula) son una pareja neoyorquina que viven felices que viajarán a Singapur para la boda de su mejor amigo. Ese será el momento para que Rachel conozca la familia de su novio, que es una de las familias mas acaudaladas de toda Asia, lo que provocará más de un conflicto.

Jon M. Chu (Step Up 3D, G.I: Joe) es un director norteamericano de padres chinos y este tema de la diversidad cultural esta presente en su nuevo film y es una de las cuestiones por las que debe pasar el personaje de Wu, ya que la madre de su novio no ve con buenos ojos que ella sea china norteamericana. Considera que es solo una caza fortuna que  solo busca su propia felicidad.

El realizador es muy visual y utiliza eso a su favor para seducirnos y para ocultar algunas inconsistencias en el guión, como así también para disimular la simpleza de la historia bajo tantos planos apabullantes y paisajes de ensueño. Y el truco funciona, porque realmente nos olvidamos de todo, desde su comienzo en Londres con la llegada de la familia Young que ya nos denota la presencia y el carácter de la madre de Nick, hasta la manera gráfica con la que representa el viaje de los mensajes de texto de un celular a otro en una escena que no tiene desperdicio.

El soundtrack  es otro punto destacable. Escuchar temas de Madonna y Coldplay en versiones chinas son otro ejemplo de la diversidad cultural y del mensaje que nos quiere trasmitir su realizador.

Todos los personajes se destacan y son los responsables de llevar adelante las casi dos horas de duración de la cinta. Hay un muy buen timing en el humor que resulta natural. Goldin y Wu tienen muy buen química en pantalla y realmente nos agrada su pareja y estamos con ellos siempre, y obviamente, la madre (Michelle Yeoh, el tigre y el dragón), es la villana que se interpone a la felicidad de su hijo. El desenlace entre suegra y futura nuera es uno de los mas originales que se han visto y claramente con el sello oriental como debe ser.

Al casarnos también lo hacemos con nuestra nueva familia política y se convierte en todo un desafío en algunos casos porque no sabemos si vamos a ser aceptados o no, y solo demostrando lo que valemos y lo que somos podemos llegar a pasar ese reto, porque una cosa es clara: el verdadero amor no tiene precio.

Calificación: ****

Crazy Rich Asians (2018) - Pais: Estados Unidos - Dirección: John M. Chu - Guión: Pete Chiarelli entre otros - Elenco: Constance Wu, Michelle Yeoh, Henry Golding, Gemma Chan - Fotografía: Vanja Cernjul - Musica: Bryan Tyler - Duración: 120 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Grande Pa! - Comentario de Juegos Diabólicos (Hell Fest, 2018)

Por Ricardo Diaz
Después de tres años, Gregory Plotkin (Actividad Paranormal: La dimensión fantasma, 2015) vuelve a dirigir y nos presenta Juegos diabólicos, un slasher que parece un copy paste de otros films.

Nadie puede discutir que el cine de terror en términos generales, seduce a la audiencia, ante cualquier estreno, varios curiosos nos acercamos a las salas para ver cual sera la "nueva" idea que nos intentará asustar, inquietar o volarnos la cabeza. Es por ello que las distribuidoras se empecinan en ponerle títulos "gancheros" para que caigamos en sus trampas. Esta película es una de ellas.

La trama es así: parque de terror + parejas adolescentes + asesino. Fin de la historia. 

El director intenta homenajear a la mítica e inolvidable Halloween (Jonh Carpenter, 1978) presentando a un nuevo asesino con una mascara de una cara media torcida, la cual por momentos puede llegar a funcionar, que por alguna razón se obsesiona con un grupo de chicos y en particular con una de ellas, Natalie (Amy Forsyth) que es acechada por este enmascarado durante todo el film.

Pero la película no cumple con lo que uno espera, y principalmente uno no desea que se salve ninguno de los personajes, son apáticos y poco creíbles y parecen estar únicamente para justificar la presencia del asesino. La amiga de la protagonista, Taylor (Bex Taylor-Klaus), es realmente insoportable y la escena de su muerte que podría haber sido fantástica, es casi ridícula e indignante.
Por momentos pensamos que tal vez nos dormimos, pero no es así, es el montaje que presenta saltos bruscos entre la sucesión de acciones y uno siente que se perdió algo. Si la idea fue darle más ritmo, claramente, no fue logrado.

El asesino apenas le llega a los talones al number one de Michael Myers, es más debería hacerle juicio por imitarlo y encima sin clase. ¿Acaso, usar unos zapatos negros y una mascarita, te habilita a  salir por ahí a masacrar jóvenes? No, señor.
Ademas de esta clara referencia, encontramos a Tony Todd (Candyman, 1992) que acá aparece como el maestro de ceremonias de este parque del terror pero que nos termina dando pena que Candyman haya caído tan bajo. 

Lo único que podemos rescatar, son sus últimos minutos donde la persecución final ocurre en una parte del parque con unas estatuas con mascaras blancas y maniquíes con rostros tapados. Esa escena es rescatable y logra un buen momento. Empieza otra escena copiada en innumerables películas y llegamos al final. Un final que nos prueba que el guionista, tal vez tuvo una muy buena idea pero que no supo como desarrollarla para que fuese realmente un recorrido vertiginoso de terror para después tirarnos en la cara semejante terminación.

La película después de su comienzo, empieza una caída libre y va directo a estrellarse contra las rocas del mismísimo infierno, pero a ultimo momento los motores encienden y logra por muy poco salvarse. Aun así, una cosa es seguro, nunca mas volveremos a viajar con dicha empresa que tan poco valora a sus pasajeros.

Calificación: ** (Regular)

Juegos Diabólicos (Hell Fest, 2018) - Pais: Estados Unidos - Director: Gregory Plotkin - Guion: Seth M. Sherwood, entre otros - Reparto: Amy Forsyth, Bex Taylor-Klaus, Reign Edwards, Tonny Todd, Christian James - Musica: Bear McCreary - Fotografía: Jose David Montero - Duración: 89 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Amy Forsyth y Reign Edwards en juegos diabólicos (IMDb)

Humor ATR - Comentario de Teen Titans Go! To The Movie

Por Ricardo Diaz
Una nueva película animada del universo DC, que demuestra su poderío sobre su rival y se da el gusto de pegarle a todos los superhéroes por igual.

Nadie discute el éxito del Universo Cinemático de la factoría Marvel, y la manera en el que fue diseñado y pensado por años para que todas las piezas encajen como si fuera un gran rompecabezas superheroico, pero en cuanto a animación, DC sigue siendo el líder absoluto.

La película se centra en las aventuras de este pequeño grupo de jóvenes héroes que no son considerados como tales por sus pares de peso pesado como Superman y Batman ya que los toman como pequeños bufones inmaduros.  Por tal motivo ellos se empecinarán en demostrarles a todos que pueden ser también héroes y salvar el mundo.

La historia es simple y está destinada a un público más infantil por las caricaturas de todos los héroes (genial la voz de Nicolas Cage para la versión de Superman) y mostrar los valores de la amistad y de ser uno mismo mas allá de lo que opinen los demás. Sin embargo, y acá es donde DC lleva la delantera en cuanto a animación, la película funciona para todo el público. Los pequeños de las casa se quedaran con los dibujitos clásicos de su serie favorita, ahora llevada a la pantalla grande y nosotros, mas adultos, podremos reírnos con ella de toda la critica que hace el film sobre el cine de superhéroes y de reírse en más de una ocasión de la competencia.

La película está plagada de humor y no duda de reírse de sí misma, en el sentido de que bardea sus propias creaciones cinematográficas. Un ejemplo de ello, es cuando están filmando lo que sería la secuela de Batman V Superman, y recrean la tan estúpida escena de la batalla que finaliza cuando El Hombre Murciélago descubre el nombre de la madre del Kriptoniano, pero que acá al saber el nombre del padre comienza de nuevo la batalla. Con Linterna verde hay un gag parecido.

Con Marvel, no tiene piedad, todo el tiempo se burla de ella y de sus personajes. Los Jóvenes Titanes en esta película se enfrentan al temible Slade (voz de Will Arnet) que se asemeja a Deadpool de Marvel, lo cual se convierte en una burla constante. Pero suben la apuesta, y llegan al extremo de caricaturizar al propio Stan Lee y reírse de sus famosos cameos y hacerlo aparecer en más de una oportunidad.

El film nos sorprende constantemente, porque  no pretende quedar bien con ninguno de los dos bandos, se burla de todos y lo mejor es que se mofa precisamente de las películas de superhéroes. De hecho el plan malévolo del villano es crear una especie de señal de streaming de películas de superhéroes para controlar la mente de todo el mundo.  

La música es otro punto a favor del film. Imperdible la escena en la que vuelven al pasado e intentan revertir el origen de todos los superhéroes para luego volver una vez más para dejar todo como estaba. Toda esta secuencia musicalizada con Huey Lewis And The News con Back In Time de Volver al Futuro (Back To The Future, 1985), película que acá también recibe alguna critica por su confuso título.  

Gran parte del soundtrack tiene un aire ochentoso/noventoso que funciona para atraer a otras generaciones. Los que posean un buen oído musical podrá reconocer a Michael Bolton cantando una canción lisérgica y típica de la época que no tiene desperdicio alguno.

Jóvenes titanes en acción: La película, arrasa con los espectadores porque no estamos preparados para tanta irreverencia de sus personajes y a su vez la clásica infantilidad de films destinados a espectadores  preadolescentes.  Pero una cosa es clara, los superhéroes han llegado para dominarnos.

Calificación: ****(Muy Buena)

Teen Titans Go! To The Movie (2018) País: EE.UU – Director: Aaron Horvath, Peter Rida Michail – Guión: Michael Jelenic, Aaron Horvath – Voces de: Greg Cipes, Scott Menville, Tara Strong, Nicolas Cage, Will Arnet – Música: Jared Faber – Duración: 84 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Yo soy tu amiga fiel - Comentario de Escándalo (Notes on a scandal, Richard Eye, 2006)

Por Ricardo Diaz
La película el graduado (Mike Nichols, 1967) nos presentaba la historia de un joven que era seducido por una mujer mayor, pero después él se enamoraba de su hija, precipitando un escándalo para todos los involucrados. Richard Eyre (Belleza prohibida) retoma esa polémica y plantea otras problemáticas, tomando como referencia la novela de la británica Zoë Heller.

La historia transcurre en una escuela pública londinesa en donde encontramos a Bárbara (Judi Dench) una maestra de historia, que rige su clase con mano dura. Un claro ejemplo de ello es cuando suena el timbre del recreo y uno de sus alumnos intenta levantarse y ella con una sola mirada lo hace volver a sentar  y luego con un nuevo gesto de sus ojos  todos se levantan. Este hecho ya da una idea de la personalidad y el poder que presenta este personaje.

La llegada de la nueva maestra de arte, Sheba, encarnada por una bellísima Cate Blanchet provoca un revuelo en todas las áreas del establecimiento.  Ella es joven, linda, carismática, todos quieren ser amigos de ella, y en especial Bárbara.

En esa búsqueda de amistad, Sheba empezará un affaire con unos de sus alumnos de quince años. Y cuando Bárbara lo descubra, la relación cambiará y saldrán a la luz otros sentimientos.

Y en este punto es lo que vuelve interesante al film, el director se anima a mostrar a una mujer mayor que le gustan las mujeres, pero que no se anima a confesarlo abiertamente, por el miedo al escándalo y lo que eso implica. La manera en que las personas buscan amar. El miedo a quedarse solo. Las relaciones de pareja, el desgate de ellas; y como a veces una simple muestra de cariño por otra persona (sin importar la edad) puede hacer querernos sentir “malos”, experimentar que se siente, a pesar de que somos consientes de que estamos actuando incorrectamente. Algo así, como una especie de permitido por todos los años de sacrificio y de actuar bien.

Esta idea es simplemente asombrosa y macabra a la vez, pero que Richard Eyre lo plantea de muy buena forma. Nos hace vouyers por momentos de esta situación, cómplices de esta relación profesora-alumno.  Vemos como en plena cena de Navidad, Sheba recibe un mensaje de texto de su pequeño amante invitándola a tener relaciones, y que a pesar de que ella pretende no verlo más, en la siguiente escena vemos que se encuentran en una estación de trenes teniendo sexo.

Las actuaciones de Judi Dench Y Cate Blanchet son descomunales, es una especie de duelo actoral. Son personajes totalmente distintos e interpretados correctamente. La manera de pensar retorcida del personaje de Dench es por momentos exquisito. El clímax entre ellas dos cuando Sheba descubre las verdaderas intenciones de Bárbara es magnífico y ahí nos damos cuenta que el verdadero escándalo es lo que atraviesa esta profesora de historia, que con el paso del tiempo se ha vuelto cínica, y tiene una mirada pesimista del mundo y de las relaciones por no poder ser como es.  

Las actuaciones de Andrew Simpson quien personifica  la juventud y la manera efímera de ver las relaciones y del gran Bill Nighy como el esposo y en otro momento profesor de Sheba (así es, también tenemos ese clásico tópico dando vueltas por ahí) también son destacables y que, junto a las dos protagonistas crean este entramado de relaciones que se verán sacudidas.

Tal vez uno espera otro final, algo más portentoso dado todo lo que venimos observando, y no una especie de escena del silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1991), lo cual es una picardía porque podría haber sido mucho mejor. El final siempre lo es todo.

Las relaciones son extremadamente complejas, nunca podemos saber realmente cómo van a funcionar. Lo que sí sabemos es lo que queremos, los que nos gusta, los que nos complementa  y la libertad de guiarnos por eso, a pesar de que en algunas ocasiones sea considerado un escándalo.
Calificación: *** (Buena)

Escándalo (Notes on a scandal, 2006) – País: Inglaterra  – Director: Richard Eyre – Guión: Patrick Marber, basado en la novela de Zoë Heller – Elenco: Judi Dench, Cate Blanchet, Bill Nighy, Andrew Simpson – Fotografía: Chris Menges – Música: Philip Glass – Duración: 92 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Judi Dench y Cate Blanchet en Escándalo (IMDb)