Eterno resplandor - Comentario de doctor sueño (Mike Flanagan, 2019)

Por Ricardo Diaz

Nuevos chicos que resplandecen y el regreso al famoso hotel Overlook en la continuación del film de Stanley Kubrick.

La adaptación del libro de Stephen King en los años 80 de la mano de Stanley Kubrick dejó imágenes icónicas en el cine, entre ellas las dos gemelas rubias con sus vestiditos celestes, el ascensor del que brota sangre a borbotones y la inolvidable escena en la que Jack Nicholson se asoma por la puerta luego de abrirla a hachazos. Este film en cuestión era El Resplandor, una historia que se tomaba bastantes licencias respecto a la obra del maestro del terror (motivo que hizo que el propio Mr. King hiciese su propia versión en los noventa con una versión de cinco horas de duración). Aun así la cinta de Kubrick se convirtió en un clásico del cine de terror. Todo el miedo se reducía a una familia encerrada en un hotel en las montañas donde de pronto empiezan a suceder cosas extrañas y la persona a la que amas de golpe se convierte en tu peor pesadilla y en el miedo mas profundo.

De esa primera historia sobreviven madre e hijo, el cual tiene una especie de don que lo hace más perceptible a ciertas experiencias, este talento es lo que se llama resplandor. Con el paso del tiempo Dan Torrance (Ewan McGregor) parece haber seguido los pasos de su padre convirtiéndose en un alcohólico y busca pleitos, olvidándose de su extraño talento, pero con la ayuda de un amigo (Cliff Curtis) logra mantenerse sobrio y trabajar en un hospital para gente terminal ganándose el apodo de doctor sueño porque él esta presente en sus últimos momentos. Toda esta aparente tranquilidad se termina cuando una niña con sus mismas habilidades comienza a comunicarse con Dan a través de mensajes en una pared y por pensamiento. Esta niña busca ayuda porque existe desde tiempos infinitos un grupo llamado El Nudo Verdadero, compuesto por seres que buscan la inmortalidad mediante la tortura de niños alimentándose como vampiros de lo que ellos llaman "vapor" contenidos en aquellos que "resplandecen".

En esta segunda parte se expande el concepto del resplandor e interviene directamente lo sobrenatural, alejándose en parte del suspenso del film de Kubrick, convirtiéndola en una cinta mas dinámica. Inclusive logra muy buenos momentos de terror como cuando el Nudo Verdadero sacrifica a un niño para alimentarse de su poder en una escena brutal no apta para sensibles. 

Lo interesante de doctor sueño (y esto sin haber leído el libro) es como se funde en varias ocasiones con su historia predecesora, hasta llegar al clímax, donde se amalgama por completo con el film del director de Lolita en la secuencia inicial de la cinta de los 80 con su clásica banda sonora que provoca un gran impacto en el espectador. Mike Flanagan (Oculus) mezcla el pasado y el presente retomando la historia del Overlook para desarrollar el desenlace, y toda la atmósfera negativa y opresiva que representa ese lugar se ha mantenido aun latente, como un monstruo adormecido, esperando pacientemente, para volver a alimentarse. Este recurso, además, de alguna forma enmienda las libertades creativas de Kubrick con la novela original y a su vez sirve para cerrar el vínculo padre/hijo del personaje de Dan y de alguna forma hacer lo que su progenitor no pudo cuando él era tan solo un niño de cinco años.

El reparto elegido es acertado. McGregor logra componer la versión adulta de aquel chico que luego de lo vivido en la infancia ,se encuentra en un camino de autodestrucción muy parecido al de su padre, pero con la ayuda necesaria y la aparición de la pequeña Abra Stone (Kyliegh Curran) obtendrá un propósito en su vida que le hará enfrentar sus demonios y miedos de una vez por todas. Rebecca Ferguson compone a Rose The Hat, la lider del Nudo Verdadero. Con un aspecto similar a la cantante de Four No Blondes, Ferguson transmite la locura y la frialdad de este ser casi inmortal, aunque por momentos roza la exageración.

Mike Flanagan no es la primera vez que adapta material de Stephen King, ya que en el 2017 llevó a la pantalla chica el juego de Gerald, una historia mas intimista y realista con un buen resultado. Con doctor sueño logra combinar el drama de la vida de Dan para evitar el legado de su padre y de alguna manera bloquear su don, con el terror y lo paranormal de este grupo que viaja por el país en busca de niños que resplandecen. La combinación de realidad/sueño/mente en algunas escenas la vuelve interesante desde el punto de vista creativo y técnico, dando como resultado un film entretenido con algunas dosis de terror. 

Doctor sueño es poco probable que se convierta en un clásico del género con el paso del tiempo porque el espectador de ahora consume otra cosa, busca lo expeditivo, el impacto directo, es un espectador pasajero, y eso es lo que aporta la realización de Flanagan; un producto para ser devorado ahí en el momento y que satisfaga el hambre voraz de la nueva generación. Es por ello que solo va a quedar el eterno resplandor.
Calificacion:***(Buena)

Título original: Doctor Sleep (2019) - País: Estados Unidos, Inglaterra - Director: Mike Flanagan - Guion: Mike Flanagan - Fotografía: Michael Fimognari - Intérpretes: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Cliff Curtis, Zahn McClarnon - Musica: The Newton Brothers  - Duración: 152 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson y Kyliegh Curran en Doctor Sueño (IMDb)

Acá en enlace al canal de Youtube con el comentario https://youtu.be/cEozJkBS-7k

Ella vendrá - Comentario de Terminator, destino oculto (Tim Miller,2019)

Por Ricardo Diaz

Los Terminators regresan al cine en una nueva entrega de la saga hombres vs. máquinas o en esta ocasión mujeres vs. robots.

James Cameron en 1984 nos presentaba al asesino perfecto, Terminator. Un cyborg cuya misión era eliminar a la madre del futuro líder de la resistencia humana contra las máquinas en un futuro post-apocalíptico. Dicha madre era interpretada por Linda Hamilton, dándole vida a Sarah Connor, una simple camarera que de un momento a otro se veía involucrada con robots exterminadores, gente del futuro y la carga de ser la única que podía detenerlo todo, convirtiéndose en una verdadera guerrera atravesando las tormentas que hubiese en su camino (y suena la musiquita de fondo)

Siete años después, la batalla continúa, pero esta vez el objetivo es John Connor, hijo de Sarah. Con la ayuda de un nuevo Terminator, escapan de un robot de metal liquido, explosiones, y "hasta la vista, juicio final", en lo que se convirtió en una de las mejores secuelas de la historia del cine. Como es de esperar la saga siguió multiplicándose pero ya sin el apadrinamiento de papá Cameron.

Toda esta introducción es necesaria porque en Terminator, destino oculto se vuelve a la linea temporal del film de 1991, de hecho empieza donde terminó, más específicamente en 1998, un año después de haber evitado la aniquilación humana. Una secuencia inicial que es impactante y bien lograda, que sienta las bases del título del film. Veintidós años después la acción se traslada a México con la llegada de dos nuevos terminators en busca de Dani Ramos (Natalia Reyes), una obrera de una planta automotriz, que será la nueva mesías de otro posible futuro distópico.

En esta ocasión quien protege a Dani es Grace (Mackenzie Davis, Blade Runner 2049) una humana soldado del futuro que es mejorada biónicamente incluyendo fuerza y velocidad sobrehumana, mientras que la maquina exterminadora es un Rev-9 (Gabriel Luna) formada por un esqueleto metálico y un exoesqueleto de metal líquido polimimético, capaz de separar ambas partes con total funcionalidad, convirtiéndolo en un Terminator brutal e imparable.

Para esta nueva entrega James Cameron regresa, pero como escritor y productor. Y en ese aspecto, el film sale poco favorecido. El nuevo futuro en donde una Inteligencia Artificial llamada Legión es la responsable de la nueva extinción de la raza humana no queda muy bien explicado y la semilla de la resistencia que recae sobre esta niña mexicana no es muy convincente, carece de dramatismo y profundidad. 

Al terminar T2: Juicio Final (1991) Sarah decía que si una máquina lograba comprender el valor de una vida humana, tal vez nosotros también podamos. Esta idea se utiliza para justificar la presencia del obsoleto T-800 (Arnold Schwarzenegger) o Carl como se hace llamar en esta oportunidad. Su personaje tiene implicancia en los eventos que suceden y en la nueva tarea a la que se dedica el personaje de Hamilton hace más de dos décadas. 

El clímax del film es uno de los mejores aspectos, en donde hay una justa combinación de efectos, acción y emoción. Una amalgama de pasado y futuro que logra sensibilizar, en especial a quienes crecieron con la saga creada por Cameron. 
Tim Miller  (Deadpool) logra captar ese espíritu a lo largo del film evocando momentos presentes en las dos entregas de la saga y principalmente en los momentos finales. además le agrega ciertas dosis de humor, como en la escena en la que Carl se ve frente al espejo y hace el amague para ponerse sus famosos anteojos oscuros de sol mientras de fondo se escuchan los clásicos acordes compuestos por Brad Fiedel. El director logra en gran medida crear un film adrenálinico, cargado de acción, tal vez con un exceso de efectos especiales en ciertas ocasiones que los hace poco orgánicos por más de que se trate de robots del futuro.

Terminator, destino oculto se adapta a los momentos actuales ya que muestra el conflicto con los inmigrantes ilegales mexicanos que se convierten en prisioneros/detenidos, como así también el empoderamiento de la mujer se manifiesta en la cinta. Sarah Connor, Dani y Grace forman un trío que no necesita de ningún macho man para hacerle frente a cyborgs asesinos, soldados y agentes fronterizos, aunque siempre la ayuda de un T-800 que diga "hasta la vista, baby" es útil.

Calificación:*** (Buena)

Título original: Terminator: Dark Fate - País: Estados Unidos, España, Hungría - Director: Tim Miller - Guion: David S. Goyer, James Cameron (Story) - Fotografía: Ken Seng - Intérpretes: Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabiel Luna  - Duración: 128 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Linda Hamilton, Mackenzie Davis, Gabriel Luna y Arnold Schwarzenegger en Terminator, destino oculto (IMDb)

La divina comedia - Comentario de Guason (Todd Phillips, 2019)

Por Ricardo Diaz

Un viaje a las profundidades de la psiquis del príncipe del crimen de las calles de Gótica prueban que los cómics son mucho mas que un mero entretenimiento infantil.

Quien escucha nombrar al Joker sabe de quién se habla, ya sea por haber leído algún cómic o por su encarnación en la pantalla grande, pero poco se sabe de su razón de ser, qué lo hizo convertirse en una fuerza caótica imparable capaz de cometer los actos mas terribles detrás de una pálido rostro y una enloquecedora risa infernal.

Todd Phillips (amigos de armas, ¿qué pasó ayer?) es el encargado de mostrar esa historia. Arthur Fleck (Joaquin Phoenix, ella) es una persona solitaria que padece una enfermedad mental que le provoca risa repentina en momentos de tensión o estrés. Trabaja como payaso y sueña con ser comediante. Aunque esto es irónico  porque su vida parece una constate tragedia. Es menospreciado, golpeado, burlado y humillado por prácticamente todos los que lo rodean, excepto su madre (Frances Conroy, american horror story) que vive con él y también parece ser alguien inestable.

El tono oscuro y sórdido del film está marcado desde su comienzo, mostrando al personaje de Phoenix introduciendo sus dedos en la boca para fingir una sonrisa que no existe hasta el momento, de hecho es como la representación viva de las máscaras de teatro donde la alegría y la tristeza se funden en una sola, dado que cuando Arthur ríe en realidad esta sufriendo. Esa amalgama emocional es escalofriante.

Phillips usa la mitología comiquera para contar una historia sólida de principio a fin. Un drama trágico, violento y hasta emotivo y eso lo vuelve un film destacable, polémico y de alguna manera peligroso al intentar justificar de alguna forma el accionar de este ser atormentado que inclusive es visto como héroe dada la podredumbre que existe en la ficticia Gotham City.

El desempeño de Joaquin Phoenix es insuperable, parece haber nacido para componer a Arthur Fleck y a su bufonesco y psicópata alter ego. Su mirada triste y melancólica esconde una furia y locura palpante que poco a poco va emergiendo, dando lugar al Guasón mas real y humano que ha visto el cine, dejando a sus anteriores encarnaciones como meros payasitos infantiles. Es una transformación hipnótica, ver como el personaje se libera absolutamente de todo y al fin puede reir verdaderamente. 

Phillips ademas de dirigir el film, es responsable del guión y logra exprimir y concentrar años de historietas de este villano para entregar lo mas mas puro de él y por ende intenso. Capta esa locura psicótica que lo hace capaz de romperle la cabeza a alguien y al instante actuar como si nada hubiese sucedido. 

Joker es un film que puede ser disfrutado por cualquier espectador dado el realismo y la profundidad que logra el director y Phoenix . Los seguidores del universo comiquero tambien son complacidos ya que el director muestra de alguna forma cómo los destinos del Joker y su rival vestido de murciélago se cruzan y de alguna manera el por qué de ese vínculo perverso que mantienen hace años, en donde ninguno se atreve nunca a ponerle fin definitivamente, como si estuvieran unidos y ambos se necesitasen retorcidamente.

Guasón es un claro ejemplo de que basarse en comics no significa hacer películas cargadas de efectos especiales y grandes presupuestos, porque toda esa parafernalia quita lo principal: una buena historia. Así que pongamos una sonrisa en nuestras caras 😀

Calificación *****(Excelente)

Título original: Joker - País: Estados Unidos, Canada - Director: Todd Phillips - Guion: Todd Phillips, Scott Silver - Fotografía: Lawrence Sher- Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beets, Frances Conroy, Brett Cullen  - Duración: 122 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Joaquin Phoenix en Joker (IMDb)

Recuerdos de ayer - Comentario de Yesterday (Danny Boyle, 2019)

Por Ricardo Diaz

Tras el olvido mundial de la banda británica mas conocida de la historia musical se esconde la típica historia romántica y de autosuperación.

Dentro de la eclecticidad en la filmografía de Danny Boyle (quien quiere ser millonario, en trance) se destaca siempre su originalidad a la hora de llevar a cabo la historia y esa especie de oscuridad que suelen esconder la mayoría de sus obras, sin embargo Yesterday se aleja de todo ello y a medida que avanza el film esto se hace más notable.

Jack Mallick (Himesh Patel) sueña con ser una estrella de rock desde su época escolar cantando covers de Oasis, pero este deseo cada vez se torna mas difícil. Pero una noche luego de un apagón masivo en todo el mundo (sí, así como leen), la banda The Beatles es borrada de la mente de las personas, excepto al parecer de la de Jack, quien luego de dudarlo, comienza a tomar crédito de sus canciones, convirtiéndose en la nueva sensación musical de toda Inglaterra. Pero no tardará en darse que hay cosas mas importantes que ser un rockstar. Ese algo es Ellie Stappleton (Lily James, Cenicienta), su representante y amiga incondicional. La relacion entre ambos es la responsable del titulo del film (los que conozcan la letra de la canción sabrán lo que digo).

Durante casi dos horas, el film recorre las canciones mas conocidas del cuarteto británico en la voz de Mallick que hace un esfuerzo por recordar las letras (Eleanor Rigby, es la figurita difícil, y a medida que la película avanza se puede entender el por qué) mientras se debate si hace lo correcto en asumir la autoría en la composición.  

La película pretende homenajear a The Beatles, pero se queda a mitad de camino. Es solo una sucesión de temas utilizados para musicalizar el film. La grandeza de sus creaciones que en mas de una ocasión se le atribuye es superficial, de hecho se convierten en un producto masivo dada la rapidez con la que el personaje de Patel "compone". Y por ese "deber" que siente el personaje en dar a conocer el arte de la banda que cambio al mundo. 

Tampoco es muy claro que pretende Richard Curtis (guionista del film). Porque además del olvido de los cuatro de Liverpool, hay otras amnesias colectivas, las cuales funcionan para darle humor al film, pero no se sabe si pretende decir que el mundo esta mejor sin ellos o no. O si simplemente fueron elementos azarosos destinados a olvidarse.

¿De donde vienen las personas solitarias? Nadie lo sabe. Pero en algunas ocasiones con un poco de ayuda se descubre que todo lo que se necesita es amor para que la vida continúe y así dejar el ayer.

Calificacion: *** (Buena)

Título original: Yesterday - País: Inglaterra, Rusia, China - Director: Danny Boyle - Guion: Richard Curtis - Fotografía: Christopher Ross - Intérpretes: Himesh Patel, Lily James, Ed Sheeran, Joel Fry - Duración: 116 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Himesh Patel Y Lily James en Yesterday (IMDb)

Y Colorín Colorado... (Comentario de Había una vez...en Hollywood,2019)

Por Ricardo Diaz

Un viaje mágico a la era del Nuevo Hollywood en los años sesenta, demuestra nuevamente el talento de Tarantino para mostrar su pasión por el cine y jugar como si fuese un niño y hacer las películas que él quiere.

Si hay alguien que sabe de cine es Quentin Tarantino (Pulp Fiction). Toda su carrera como director es una prueba de ello. En sus films siempre hay referencias a elementos de la cultura pop y para aquellos cinéfilos avezados varias referencias a clásicos de la industria cinematográfica, de manera que cada nueva obra se convierte en una especie de juego de búsqueda del tesoro para encontrar esos pequeños guiños.

En esta ocasión su nueva fantasía transcurre en pleno apogeo de lo que se conoció como el Nuevo Hollywood, a fines de la década del sesenta. En este contexto está Rick Dalton (Leonardo DiCaprio, el lobo de Wall Street) una estrella de cine cuya carrera se encuentra en declive y su amigo  y doble de riesgo Cliff  Booth (Brad Pitt, Bastardos sin gloria). 

La película se asemeja a los "documentales dirigidos" que surgían en la famosa fabrica de sueños. Prueba de ello es la iluminación utilizada, los planos elegidos, como la escena en donde el plano subjetivo representa la visión del espectador dentro del auto en el que viajan Sharon Tate (Margot Robbie, Suicide Squad) y Roman Polanski a una fiesta en la mismísima Mansión Playboy, y una voz en off que por momentos relata lo que se observa. Solo en el final descubrimos las verdaderas intenciones de Tarantino y nos entrega un clímax antológico.

El director usa su obra para mostrar la realidad que se vivía por aquel entonces: el avance de la cultura hippie y cómo era vista por ciertos integrantes, como es el caso de Dalton que los detesta por su filosofía de vida; esa idea de contracultura que se gestaba en ese tiempo. Así mismo se aprovecha de esto para mostrar al famoso clan llamado "La Familia"(liderados por Charles Manson), responsable de uno uno de los eventos que conmocionó a la industria pero con la mirada que solo Tarantino puede tener. (Prefiero evitar spoilers para el que no conoce lo sucedido en Agosto de 1969).

Quentin, quizás, entrega su mejor realización hasta la fecha, porque es como una conjunción en parte de todos sus trabajos previos y a su vez una invención dentro de su filmografía. Robert Richardson (Djando desencadenado) hace maravillas como director de fotografía, otorgándole a las escenas esa apariencia granulosa y saturada, que junto con el vestuario y la puesta en escena, por unas horas se viaja en el tiempo. La banda sonora es otro de los lujos con los que cuenta el film, meticulosamente elegido convirtiéndose en otro personaje permitiendo que este cuento sea creíble. 

Su dirección logra potenciar todos los recursos que tiene, por ello, las interpretaciones de Dicaprio y Pitt sobresalen. La singular amistad de ellos es única. Leonardo convence con este actor que hace todo lo posible para mantenerse en el firmamento de Hollywood y no pasar al olvido. La escena en el set de Western con la pequeña Trudi (Julia Butter) es magnífica, el diálogo y las miradas entre ellos. En esos pequeños detalles se nota la fascinación y el respeto de Tarantino por lo que hace. Por su parte, Brad compone a este doble de riesgo que se convierte en una suerte de chaperón incondicional de Dalton. También cabe destacar a Margot Robbie representando a Sharon Tate, que deslumbra con su belleza y esa ingenuidad e inocencia evocando a  la verdadera esposa de Polanski, provocando cierta nostalgia.

Como todo film tarantinesco, no faltan las referencias a otras películas. Ejemplo de ello, es la escena en la que Margot Robbie viaja escuchando Mrs Robinson de Simon & Garfunkel referenciando a El graduado (1968); o cuando Rick Dalton llama Hooper a uno de los integrantes del clan en referencia a Easy Rider (1969), película dirigida por Dennis Hopper y significó un éxito y contaba el viaje en auto de unos hippies. Sus actores fetiches también están presentes (vale la pena descubrirlos por uno mismo). Las participaciones especiales de Al Pacino interpretando al productor Marvin Schwarz  y Timothy Olyphant como James Stacy (el actor a vencer por  Dalton en un verdadero duelo), terminan de darle forma a esta fantasía.

El cine es una forma de ver la realidad, una interpretación parcial de lo que el realizador entiende y su manera de reaccionar ante ella. Pero también, a veces, como hace Quentin Tarantino, se puede  escapar de esa "realidad" y contar otra como un cuento, en donde siempre se empieza por había una vez...

Calificación***** (Excelente)

Título original: Once upon in time...in Hollywood - País: Estados Unidos - Director: Quentin Tarantino - Guion: Quentin Tarantino - Fotografía: Robert Richardson - Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Timothy Olyphant, Al Pacino, Emile Hirsch, entre otros - Duración: 161 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie en había una vez...en Hollywood (IMDb)

Corazones de hierro - Comentario de Avengers: Endgame, 2019

Por Ricardo Diaz
El último capítulo de la saga superheroica mas longeva del cine arrasa a cada segundo dejando emociones, sorpresas e interrogantes futuros.

Luego de Avengers: Infinity War, Thanos (Josh Brolin, no country for old men, hombres de negro 3) logró su plan siniestro de eliminar a la mitad de la población terrestre, dejando al resto padeciendo las consecuencias de tal hecho, incluyendo gran parte de los héroes mas poderosos de la Tierra, viendo como sus compañeros se reducían a polvo frente a sus ojos sin poder hacer nada, solo sentir la impotencia de haber fracasado y el sentimiento de haberle fallado todos.

Con la ayuda de la Capitana Marvel (Briel Larson, Room), Iron Man(Robert Downey Jr, Sherlock Holmes) logra regresar a la Tierra para descubrir los efectos del chasquido de dedos del gran villano de turno. Los pocos Vengadores restantes logran ubicar el paradero de Thanos para vengar a los caídos.  Aun así, cinco años después las cosas no han vuelto a ser las mismas. La llegada de Ant-Man (Paul Rudd, virgen a los 40) del universo cuántico, será la llama que encienda la esperanza de revertir los hechos sucedidos tiempo atrás.

Lo que sigue a partir de ese momento es una vertiginoso viaje en el tiempo en donde volvemos a recorrer escenarios antes vistos en películas anteriores pero desde otro punto de vista de los propios héroes, tal vez más aplomados por todo lo que han vivido. Este detalle recae principalmente en Tony Stark y Steve Rogers, los primeros vengadores si se quiere, el primero por ser la punta de lanza de la Iniciativa de Nick Fury (Samuel L. Jackson, Pulp Fiction) y el otro por serlo cronológicamente. 

El despliegue visual del filme es imponente, manejando cada detalle para que el publico quede impactado segundo a segundo, haciendo que las tres horas de duración  parezcan segundos como si se estuviera  en el propio viaje temporal que predica la película y eso ya es un punto favorable. Inclusive para el espectador curioso que mira por primera vez un film de Marvel, puede entender la historia porque esta desarrollada de manera que así sea. Pero el que vió sus veintiún películas predecesoras logra comprender el trabajo impecable que realizo Kevin Feige al momento de llevar a la pantalla este mega universo de superhéroes.

Cada personaje tiene su momento memorable en pantalla y ese es otro elemento destacable, siendo que hay mas de veinte héroes protagónicos y el director supo combinarlos a todos para que deslumbren a los fanáticos y crear momentos épicos. El que más se destaca es la escena que protagoniza El Capitán América durante la batalla final con algo que en un film anterior se bromeaba y que acá provoca una ovación de pie.

La película conserva todas las características que supo generar Marvel Studios y las intensifica en esta oportunidad, provocando emoción por varias circunstancias. Por los hechos de la trama y la que genera ver el esfuerzo, la dedicación y el respeto por el espectador en crear un filme acorde con las expectativas que fueron construyendo allá por el 2008 presentando a Iron Man y con su primera escena postcreditos donde se nombraba la Iniciativa Avenger. Este es el tercer punto a favor.

Todo este heroísmo no tendría la misma impronta sin la música de Alan Silvestri (Volver al Futuro, Forrest Gump) y sí, este es el cuarto punto a favor. Cada nota cumple con su deber de resaltar u ocultar algo del film, como así tambien acelerar el corazón del espectador o estrujarlo como si fuese agarrado por el guante de Thanos.

El final, por más que algunos puedan sentirse decepcionados, es el quinto punto destacable. Porque es el correcto y el que merece la saga y sobretodo los personajes. Es un cierre emotivo pero con esperanza y con interrogantes sobre que nos depara Marvel, ya que esta es la primera película sin escena postcreditos, de manera de dejar en claro que esta aventura épica de veintidós partes concluyó. Pero aun hay otras historias que contar con nuevos horizontes, héroes y villanos amenazando con destruirlo todo como debe ser.

Las gemas del infinito son seis, y acá hay seis puntos a favor, ¿el sexto?. Enaltecer al ser humano, porque con poderes o sin ellos, jamás se rinde a pesar de que las posibilidades sean una en catorce millones.

Calificación:***** (Muy Buena)

Avengers: Endgame, Estados Unidos, 2019 – Director: Anthony Russo y Joe Russo – Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely – Elenco: Robert Downey Jr, Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Josh Brolin, entre otros – Música: Alan Silvestri – Duración: 181 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Robert Downey Jr y Chris Evans en Avengers: endgame (IMDb)

Salida de emergencia (Comentario de Escape Room: sin salida, 2019)

Por Ricardo Diaz
Las Escape Rooms (o habitaciones de escape) empezaron a aparecer en el 2007 en Japón, consistiendo en un juego físico y mental donde una serie de jugadores son encerrados en una habitación, y mediante el ingenio y el trabajo grupo deben intentar ganar el juego para poder salir del cuarto. 
Esta idea ya había sido mostrada tiempo atrás por Hollywood a fines de los 90 con la muy bien lograda El Cubo (Vicenzo Natali). 

El film de Adam Robitel (La Noche del Demonio 4) lleva esta experiencia al límite ya que los jugadores tienen en juego sus vidas. Lo cual queda muy bien representado en lo que puede llegar a ser lo más destacable de la cinta, los primeros minutos donde se observa cómo un jugador intenta escapar de un cuarto que literalmente se convierte en una compactadora. Luego la película retrocede en el tiempo para presentarnos al resto de los participantes y cómo fueron invitados a esta aventura mortal. A medida que van escapando de los distintos cuartos entienden por qué han sido elegidos y de esta manera descubrir la historia diseñada por el game master (maestro del juego).

En una película de estas características (como la prolífica El Juego del Miedo), el atractivo radica en el diseño de  dichas trampas letales construidas como habitaciones, cada una con una temática diferente. Sin embargo este elemento es de resultados variables impidiendo que el film nunca termine de desarrollarse como debe, generando desinterés por los personajes y la trama. Ni siquiera su conclusión es convincente, porque el supuesto final se convierte en una especie de trailer de una futura secuela, lo que provoca más desconcierto y denota la falla en el desarrollo de la historia y la manera de intentar darle punto final a algo que pide a gritos acabar.

El título de la película se vuelve alegórico, ya que el espectador se vuelve preso de un film que ni siquiera entretiene, sin embargo, existe una salida: levantarse de la butaca e irse.

Calificación:** (Regular)

Escape Room, Estados Unidos, Canada, 2019 - Director: Adam Robitel - Guión: Bragi F. Schut, Maria Melnik - Elenco: Taylor Russell, Logan Miller, Jay Ellis, Tyler Labine, Deborah Ann Woll, Yorick van Wageningen - Fotografía: Marc Spicer - Música: John Carey, Brian Tyler - Duración: 99 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Taylor Russell, Logan Miller y Deborah Ann Woll en Escape Room (IMDb)

Mi nombre es Maggie (Comentario de No se aceptan devoluciones, 2013)

Por Ricardo Diaz
Valentín Bravo (Eugenio Derbez, Geotormenta, El Cascanueces) es un típico Don Juan mexicano que pasa todo su tiempo conquistando a toda mujer que se le acerque en las paradisiacas playas de Acapulco, pero una de esas aventuras un año y medio después volverá con la forma de una pequeña niña llamada Maggie. En ese momento él deberá replantearse toda su vida y transitar el territorio desconocido de la paternidad. El tiempo pasa y esa familia que logró se verá sacudida con la aparición de su madre que tiempo atrás la abandonó. 

Ahora dedicado como doble de riesgo  para las grandes películas, Valentín ha creado un mundo de maravillas para Maggie (Loreto Peralta), una especie de burbuja mágica para que ella no sufra y no sienta la ausencia de su progenitora, mediante cartas que él mismo escribe relatando increíbles aventuras que realiza su mamá y por eso no puede estar con ella. Motivo por el cual, sus compañeros de escuela se burlan de ella. Cabe destacar que en estos tiempos resulta poco creíble que un niño pueda creer semejantes historias, pero este es uno de los aciertos del film, rescatar la inocencia de los mas pequeños y su manera de ver el mundo.

Durante la primera mitad de la película esta transcurre por el camino de una comedia naif viendo esta singular familia padre/hija en donde por momentos no se distingue al adulto, pero sí que ambos son felices juntos y que se tienen el uno al otro. Es entonces cuando el film cambia cuando llega Julie (Jesica Lindsey), la madre de Maggie. Convertida en una importante abogada de Nueva York querrá tener la custodia legal de su hija, motivo por el cual Valentín deberá hacerle frente a un nuevo desafío, además de cargar con una verdad que se desconoce hasta el final.

Derbez logra una interpretación convincente como este padre que aprende día a día a como cuidar a su hija y a darle lo único que necesitan: amor. Pero la actuación de Eugenio se potencia con Loreto, juntos logran escenas hermosas en donde con solo sus miradas vemos esa felicidad y complicidad que vale mas que mil palabras. 

Tal vez el film en sus momentos finales se vuelve demasiado dramático e incorpora temáticas que no son tratadas con la debida profundidad por lo que solo resultan incómodas por el cambio drástico de tono y con un giro final que tranquilamente parece haber sido pensado por M. Night Shyamalan (Sexto Sentido) pero que se lo siente abrupto y con la intención de golpear duramente la sensibilidad del espectador, generando una sensación amarga en cierto punto, mas allá de su mensaje superador.

Todos siempre tenemos miedos que tarde o temprano debemos superar porque de eso se trata vivir, de superar obstáculos, porque de esa  manera podemos avanzar. Ser padres puede ser uno de esos miedos, en donde padres e hijos deben aprender uno del otro. Y claramente en ambos casos no se aceptan devoluciones.

Calificación: *** (Buena)

No se aceptan devoluciones (2013) – País: México – Director: Eugenio Derbez – Guion: Guillermo Rios, Leticia Lopez Margalli – Elenco: Eugenio Derbez, Jesica Lindesey, Loreto Peralta, Daniel Raymont - Fotografía: Martin Boege, Andres Leon Becker – Música: Carlos Silioto – Duración: 115 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Eugenio Derbez y Loreto Peralta en no se aceptan devoluciones (IMDb) 

El frágil cristal protegido (Comentario de Glass, 2019)

Por Ricardo Diaz
En el año 2000 M. Night Shyamalan (Sexto sentido, La aldea) nos sorprendía con El Protegido ya que nos presentaba una historia original en donde planteaba sutilmente la idea de ¿qué pasaría si existieran personas comunes con superpoderes? Para plasmar dicha hipótesis encontrábamos al personaje de Bruce Willis como un guardia de seguridad con una fuerza y resistencia mas allá de la normal, y al de Samuel L. Jackson como una persona con una mal formación en sus huesos haciéndolo extremadamente frágil.

Los años pasaron, el director tuvo sus altibajos en su filmografía, hasta que en 2016 nos muestra Fragmentado, centrándose en Kevin (James McAvoy, En trance, X-Men:primera generación) una persona con Síndrome de Disociación Múltiple en la que uno de sus alter egos esta por emerger y se hace llamar la bestia, un ser superior que seria la evolución del ser humano pero este ser se alimenta de jóvenes mujeres escolares. Solo al final descubrimos su vínculo con su predecesora de años anteriores.

Lo que nos lleva a Glass, el final de esta trilogía en la que los comics y lo que representan de alguna manera existe en la realidad,  como quiere creer Elijah (Samuel L. Jackson, Pulp Fiction, Los Vengadores), el cual se encuentra internado en un hospital psiquiátrico debido a sus planes maquiavélicos para descubrir seres especiales, o como él los llama superhéroes. También esta de regreso el agente de seguridad David Dunn (Bruce Willis, Duro de matar, Bajo amenaza) que ha decidido utilizar su don para ayudar a la gente, por lo que tras lo sucedido al final de Fragmentado, atrapar a la bestia, o a la Horda como se hacen llamar, será su objetivo. Pero la aparición de la misteriosa doctora Ellie Staple (Sarah Paulson, Las estafadoras, American Horror Story) podría cambiarlo todo, ya que su especialidad es tratar a gente que padece el delirio de creerse superhéroe.

La conclusión que escribe Shyamalan para su historia tiene sus defectos, en el sentido de que por momentos se aleja de su premisa original planteada en el Protegido y profundizada más aun en su secuela encubierta. En esta oportunidad esa trama es ahogada por el abuso de diálogos de la doctora Staple para borrar la necesidad de los héroes en la realidad, o en otras palabras es imposible que existan seres superiores al hombre.

La idea de centrarlo como el capitulo de los villanos funciona en parte.De hecho, para los avezados en materia de comics, podrán encontrar ciertos guiños como la frase que utiliza la bestia “arrodíllense ante el” en clara alusión al famoso “arrodíllense ante Zod” frase celebre del enemigo de Superman. Pero una vez mas, es tratado muy levemente y no se profundiza, quedando únicamente como monologo de villano.

James McAvoy vuelve a demostrar su calidad interpretativa al ponerse en la piel de Kevin Wendel Crumb y sus otras 24 personalidades, pero tal vez de una manera por momentos abrumadora y exagerada con la intención de causar gracia, hecho que le resta todo ese dramatismo y terror que provocaba en Fragmentado. En esta ocasión cumple la función de un villano soldado bajo las ordenes de la mente maestra de Samuel L. Jackson que es digno de este papel que lo interpreta de manera automática. Bruce Willis, a pesar de sus años, convence como este superhombre y sobretodo en sus miradas que transmiten la carga de ser quien es. Los personajes de reparto que actuarían como especie de kriptonita para los principales son básicamente eso, el talón de Aquiles de estos héroes, la razón por la que pueden quedar expuestos y estar en peligro porque interviene la debilidad por antonomasia: el amor.

Los planos realizados por Shyamalan evocan por momentos viñetas de historietas, ya que se suelen mostrar primerísimos primeros planos para exponer la emoción del personaje, planos en donde el rostro se encuentra en uno de los costados y el resto es fondo. En este sentido se aprecia la habilidad del director para dirigir y hacer que el film sea ágil y fácil de ver. Sumado al score compuesto por West Dylan Thordson que le dan esa cualidad épica y heroica.

Glass se aleja de la oscuridad y dramatismo de sus antecesoras. Tal vez algunos no queden conformes con su final. Es como una licencia que se toma Shyamalan para dejarse llevar y jugar. En donde o vives lo suficiente para convertirte en villano o mueres siendo un héroe. Una realidad en la que debemos creer en nosotros mismos, en lo que somos, en nuestras capacidades. Porque si no lo hacemos, cualquiera puede destruirlas como al frágil cristal.

Calificación *** (Buena)

Glass (2019) – País: Estados Unidos – Director: M. Night Shyamalan – Guión: M. Night Shyamalan – Elenco: Bruce Willis, James McAvoy, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson, Anya Taylor-Joy, Spencer Treat Clark – Fotografía: Mike Gioulakis – Música: West Dylan Thordson – Duración: 129 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: James McAvoy, Samuel L. Kackson y Bruce Willis en glass (IMDb)

Bienvenidos al matriarcado (Comentario de Suspiria, 2018)

Por Ricardo Diaz

Luca Guadagnino reversiona el clásico film de Darío Argento y nos introduce en un aquelarre femenino que nos hechiza hasta el final.

A finales de los años 70, la situación política en Alemania era menos que caótica, había represiones hacia aquellos que buscaban una reforma democrática y varios de estos disidentes eran jóvenes y personas vinculadas al arte.

En este contexto, llegamos a Berlín, en donde conocemos a Sussie Bannion (Dakota Johnson, Cincuenta Sombras de Grey) una bailarina de Nueva York que decide ingresar a la gran Academia de Danza Tanz. Una vez dentro, descubrirá que yacen oscuros secretos y un gran poder que la seducirá y le hará descubrir su propósito.

Toda comparación siempre es odiosa y hasta injusta a veces, pero necesaria para poder hacer una especie de espejo entre ambas y poder así descubrir sus diferencias y de esta manera llegar a la conclusión de que son muy disimiles entre si. La cinta original de 1977 de Darío Argento (El gato de las 9 colas, Prfondo Rosso), se destacaba por su gran fotografía y un uso de los colores que la volvían como una especie de cuento de hadas o sueño, en donde la protagonista descubría este lugar plagado de brujas ancestrales en donde ella luchaba por escapar y todo ello bajo la estética clásica del giallo.

Mas de cuarenta años después Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre) nos entrega otra visión de esta particular historia, pero en esta ocasión con un marco político de la época, y dándole mas presencia a la figura de la mujer y lo que representa. Tanto es así, que en esta nueva versión ese manejo de los colores tan deslumbrante de su antecesora está ausente, es más, prácticamente todas sus escenas están en una gama de ocres y grises. Acá la clave es la danza, el baile, como una forma de mostrar ese poder femenino. Un claro ejemplo está plasmado, en quizás una de sus mejores escenas, donde la fuerza de los movimientos de Sussie, se extienden hacia otra habitación en la que muere otra bailarina de una manera violenta, grotesca pero a su vez placentera de ver.

Las coreografías ya no se centran en lo clásico, sino mas bien en una danza contemporánea con movimientos espasmódicos, cortos y el nombre de la coreografía que presenta la academia se llama Volk (el pueblo en idioma Alemán), otro punto que denota su contexto histórico.

La labor de Dakota Johnson y Tilda Swinton son destacables. Se establece una especie de relación madre/hija o maestra/ discípula y ese vínculo/sentimiento va creciendo porque la bailarina en vez de huir al descubrir que esta dentro de un aquelarre, se siente atraída por él, como si su destino fuese haber llegado a Tanz. Es por eso que la escena final (climax del capitulo VI) es majestuosa y shockeante porque  se define el nuevo destino del conciliábulo y Sussie es clave en ello. La famosa historia de las tres madres brujas de Argento, en esta nueva pieza está presente, pero también con un nuevo giro y otra forma de interpretarla, con un mensaje más profundo y una carga emocional mayor.

Si bien vez está mas alejada del giallo, es claramente una película de terror. Su trama se desarrolla lentamente, y a medida que conocemos a las integrantes de esta academia que son como una especie de familia en donde todas son lideradas por la reina madre Madame Blanc (Tilda Swinton, el gran hotel Budapest) empezamos a sentir una sensación de incomodidad, porque descubrimos lo que son realmente estas matronas y en lo que se convierten las jóvenes bailarinas. Este sentimiento, junto con escenas de sueños perturbadores e inquietantes, con el agregado de altas dosis de sangre, la convierten en una experiencia realmente aterradora.

Suspiria es un film que se logra apreciar por completo después de haber terminado. En un principio sus casi dos horas y media pueden resultar innecesarias, pero después el film decanta y podemos entender casi por completo lo que nos quiso enseñar el director. Logramos comprender esas escenas que en un primer momento nos pueden llegar a sobrar, como lo son los flashbacks del personaje de Dakota cuando es una ni;a y vemos a su estricta madre religiosa que le teme y sobretodo la razón de ese epilogo que nos deja desconcertados al principio, pero cuando lo interiorizamos, descubrimos el mensaje de Guadagnino: a veces la única forma de calmar a la culpa es poder olvidar.
Calificación ****(Muy Buena)

Ssupiria (2018) - Pais: Italia/Estados Unidos - Director: Luca Guadagnino - Guión: Dario Argento, Daria Nicoldi - Elenco: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloe Grace Moretz, Angela Winkler, Mia Goth - Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom - Música: Thom Yorke - Duración: 152 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Dakota Johnson y Elena Fokina en suspiria (IMDb)

Mi reflejo (Comentario de No Mires, 2018)

Por Ricardo Diaz

Una adolescente con problemas de adaptación descubre en el espejo su reflejo siniestro que puede solucionarle todos sus problemas.

La adolescencia ya se sabe que para algunos es una etapa complicada, es una instancia de cambios y en donde nuestra personalidad se define en base a nuestras vivencias, y a todo lo que nos rodea. Si a todo eso le sumamos una secundaria en donde están las típicas burlas constantes y unos padres poco afectivos, esta personalidad puede llegar a resquebrajarse.

El director israelita Assaf Bernstein nos cuenta la historia de María (India Eisley, Inframundo: el despertar) una chica retraída que sufre bullyng por parte de sus compañeros en su ultimo año de la secundaria. El constante hostigamiento de ellos, una amiga (Penelope Mitchell) que no es del todo tal, el florecimiento del primer amor y una falta de comunicación con sus padres, harán que María conozca a su reflejo Airam (lean el nombre de derecha a izquierda), quien está dispuesta a ayudarla a que deje atrás todos sus problemas y complejos. Para ello solo deben intercambiar lugares. Cuando su reflejo pase del otro lado del espejo al mundo real las cosas cambiarán realmente.

No es la primera vez que vemos un film que se centra en esa parte de nuestra personalidad que decidimos ocultar o reprimir por temor. Desde el psicoanálisis, sería dejar suelto a nuestro ello para que solo nos guíe por impulsos que nos generen satisfacción, sin mediar reparo de las consecuencias que tal vez puedan traer.

La película por momentos es muy lenta, con escenas repetitivas de María encontrándose con su doble en el baño, hasta que llega el punto en que Airam se libera de su prisión de cristal. El hecho que lo provoca, claramente puede ser tomado como una especie de homenaje a Carrie (1976) de Brian de Palma, solo que no hay sangre ni poderes telequinéticos. Esta nueva personalidad se hace más fuerte con el paso del tiempo así como su perversión y sed de venganza.

Un error es ubicar al film dentro del genero de terror, ya que despista y genera otras expectativas que puede no llegar a satisfacerse, ya que es un trhiller psicológico adolescente. 

Los padres interpretados por Jason Isaac (Harry Potter) y Mira Sorvino (Mimic) complementan la historia y a su vez son la base de ella. El padre como un frío cirujano plástico que no es capaz de ver mas allá de las "imperfecciones" físicas, y la madre que presiente que algo está sucediendo con su hija y que puede ser producto de un hecho del pasado que esta por revelarse. El clímax de ambos personajes son una de las cosas destacables del film, ya que ambos deberán hacerse cargo de sus pecados al enfrentarse a Airam. Además cuenta con momentos bien logrados como la escena de persecución entre Maria/Airam y su amiga sobre patines de hielo en donde hay cierta originalidad y crea un buen momento hasta su desenlace.

Si bien al terminar la cinta tal vez puedan quedar preguntas con un final medio inconcluso, pero es precisamente todo lo contrario. Es el cierre perfecto para lo que plantea originalmente, un drama familiar, en donde todos han decidido callarse la verdad y simular que todo está bien.

De esta manera, el realizador israelí entrega una obra que es meritoria por su osadía en mostrar una historia compleja en donde hay varias cosas entre lineas, algunas mejor resueltas que otras debido a las habilidades actorales del elenco, pero se aprecia y se valora ese interés por intentar salirse de lo clásico y por momentos incomodar, ya que todos alguna nos hemos asombrado o inclusive asustado con la imagen que nos devuelve el espejo cuando estamos frente a él.

Calificación:***(Buena)

Look Away (2018) - País: Canadá/USA - Director: Asaaf Bernstein - Guión: Asaaf Bernstein - Elenco: India Eisley, Jason Isaac, Mira Sorvino, Penelope Mitchell, Harrison Gilberston - Fotografía: Pedro Luque - Música: Mario Grigorov - Duración: 103 minutos

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Un lugar a ciegas (Comentario de Bird Box, 2018)

Netflix nos vuelve a traer una producción propia y nos presenta una especie de apocalípsis en donde no ver es la clave de la salvación.

Cada vez son mas comunes las producciones o adaptaciones literarias de futuros post-apocalípticos, en donde la humanidad es puesta a prueba a fuerzas inexplicables y solo un grupo reducido puede sobrevivir. Las claves de dicha supervivencia son varias, en esta oportunidad nuestros ojos son los responsables de nuestra perdición.

Nunca se sabe el por qué del evento que provoca que los seres humanos comiencen a suicidarse en masa, solo sabemos que se desencadena en Europa y como es lógico, no tarda en llegar al país del Tío Sam,  desatando el caos en toda la población. Un variopinto grupo de sobrevivientes se refugiaran para intentar comprender qué sucedió. En ese extraño rejunte de personas, está Malorie (Sandra Buloock, las estafadoras, gravedad) una futura madre soltera con problemas para conectarse con los demás que deberá superar sus propios miedos no resueltos para volver a sentirse completa.

El filme de Susanne Bier lamentablemente se asemeja a Un lugar en silencio (John Krasinski, 2018) ya que prácticamente la premisa es la misma y el desarrollo general del filme es bastante similar. Aun así el resultado final es ameno y es aceptable la decisión de sacrificar dos horas de nuestra preciada vida. Gran parte de este logro es por la actuación de Sandra Bullock como la madre de dos niños que realizará una travesía por todo un bosque y cruzará los rápidos literalmente ciega en una escena que esta muy bien realizada. A su vez el personaje de ella genera emociones encontradas ya que por momentos su frialdad y desapego hacia el resto puede resultar chocante y generar rechazo. Sin ir mas lejos a sus hijos los llama "niña" y "niño". Solo hacia el final vemos signos de cambio que nos hacen replantear nuestra posición hacia ella.

La idea de contar la historia a través de dos lineas temporales provoca que por momentos sea lenta y en otros mas acelerada, pero permite que el espectador esté atento al salto cronológico y así ir armando todos los hechos hasta llegar al punto en que ambas lineas alcanzan el presente para el clímax final, en una escena digna de un episodio de la serie Lost (2004-2010) por la manera en la que se manifiesta esta especie de ángel de la muerte capaz de llevarse a todo aquel que se anime a mirar y contemplar la tristeza mas grande que uno pueda llegar a experimentar al punto de suicidarse, con la excepción de los locos que se convierten en una especie de discípulos que salen a buscar a todos los escasos sobrevivientes para mostrarles "la belleza" a aquellos que se niegan a "ver".

Este argumento tal vez genere cierta confusión porque no se logra comprender realmente, salvo la explicación básica usando el preconcepto de lo que amerita no estar del todo cuerdo y que por alguna razón este tipo de gente percibe las cosas de manera opuesta a la realidad. La idea en general de esta especie de apocalipsis que se desata es enmarañada, porque no se puede discernir si es una especie de castigo o de salvación.

Esto de cualquier manera es de esperar, porque es un producto pensado para generar curiosidad y captar miles de vistas curiosas, y en ese punto el film cumple con su directiva principal, ya que presenta un titulo intrigante (Bird Box, algo así como "casa para pájaros"), un elenco con actores reconocidos, una historia sin muchas complicaciones. un personaje ambiguo en cuanto a empatía con el público, una muy buena edición de sonido (se luce el score compuesto por Trent Reznor y Atticus) y unos pocos efectos especiales pero correctos.Todo ello orquestado por una directora que conoce las nuevas reglas de las plataformas de entretenimiento de estos tiempos.

Calificación: ***

Bird Box (2018) - Pais: Estados Unidos - Director: Sussane Bier - Guión: Eric Heisserer, basado en la novela de Josh Malerman - Elenco: Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich, Sarah Paulson, Jacki Weaver, Tom Hollander - Fotografía: Salvatore Totino - Musica: Trent Reznor, Atticus Ross

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)