Qué ves cuando no me ves - Comentario de el hombre invisible (2020)

Por Ricardo Diaz

Una nueva historia aludiendo al clasico de H.G. Wells es llevada al cine con resultados más que interesantes.

La primera adaptación de el hombre invisible se remonta a 1933 de la mano de James Whale, y se convirtió en un clásico absoluto, ocupando de alguna forma el podio

de los clásicos monstruos del cine de terror. Con el correr de los tiempos le siguieron secuelas u otras ocurrencias (como la novia de el hombre invisible, 1940) pero que desvirtuaron al personaje y la escencia de la historia. Paul Verhoeven en el 2000 logró que viera nuevamente la pantalla grande a través de su hombre sin sombra, logrando buenos momentos de terror y locura gracias a un sobreactuado Kevin Bacon.

La nueva versión de Leigh Whannell (el juego del miedo) rememora al clásico pero a su vez la hace propia y real, un film orgánico que más allá de la ficción se acopla a la actualidad y con un tono y tematica similar a la no muy lejana Unsane (2018) de Steven Soderbergh.

Todos fantaseamos con poder ser invisibles para poder hacer cosas mientras no nos ven: escuchar conversaciones o espiar a alguien. Pero también nos da la posibilidad de cometer fines no tan santos, como el de socavar mental y emocionalmente a alguien hasta hacerlo dudar de su propia cordura.

Elisabeth Moss (el cuento de la criada) interpreta a Cecilia, una mujer que escapa de una relación abusiva y violenta, pero que luego de recibir la noticia de que el responsable de su tormento ha fallecido, significará el comienzo de una nueva pesadilla, ya que de alguna forma su ex se ha vuelto invisible y ella deberá probarlo antes de que su salud mental se fragmente por completo.

Whannell además de estar detrás de cámaras es el responsable del guión, que a pesar de haber algunos momentos poco claros (como el hecho que sucede en el restorante en la que Cecilia está con su hermana) logra ser congruente y fluido. Su labor como director también se destaca porque logra acertadamente crear la idea de que hay alguien que no vemos, pero que es testigo y tal vez responsable de los hechos que ocurren y alteran la tranquilidad de la protagonista. Esto lo logra con el buen uso de recursos simples y bien elegidos de manejo de cámara y encuadres como los infalibles planos subjetivos "vouyer" que nos inserta en la historia y a su vez nos da esa idea de que hay alguien observando, que junto con los propios planos subjetivos de la protagonista generan una dinámica interesante como si ambos personajes pudiesen verse de alguna forma, sumado al score, casi insidioso, que complementa e intensifica la tensión del film.

Pero la habilidad de Leigh para contar la historia quedaría en algo técnico únicamente si no contase con la actuación de Moss para componer a esta mujer víctima de la violencia, le brinda la realidad que necesita el personaje, sus gestos, su mirada, las pausas en sus diálogos, todos signos de una mujer asustada que lucha por recuperar el control de su vida.

Lo acertado de esta reversión es que se despega en cierta forma de lo fantástico y el tema de la invisibilidad más allá de lo que vemos se vuelve metafórico y el elemento de terror se torna psicólogico, ya que no hay nada más aterrador que vivir con miedo, acechado, vigilado y más aún si eso que no vemos puede hacernos daño.

Así mismo, el hombre invisible permite ver el problema del maltrato hacia la mujer, y de como es presa de relaciones dominantes en las que llega  a ser manipulada para creer que es culpable, siendo la única salida continuar con ese vínculo. Pero como muestra el final del film, la única solución es enfrentar esos fantasmas y volver a sentirse visible.

Calificación **** (Muy buena)

Título original: The invisible man (2020) - País: Estados Unidos, Australia - Director: Leigh Whannell - Guión: Leigh Whannell - Fotografía: Stefan Duscio - Intérpretes: Elisabeth Moss,  Oliver Jackson-Cohen, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Michael Forman - Música: Benjamin Wallfisch - Duración: 124 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Elisabeth Moss en el hombre invisible (IMDb)

Naufragio - Comentario de la posesión de Mary (2019)

Por Ricardo Diaz

Una familia en búsqueda de un nuevo comienzo se adentra en el mar en un barco misterioso.

El film comienza con la leyenda de una bruja que fue alejada de sus hijos y ahogada en el mar, regresando por las noches para tomar los niños de las familias que se adentren en aguas profundas. Estos breves segundos spoilean prácticamente el resto de la película, que junto a un guión dudoso, hacen que el film quede a la deriva.

David (Gary Oldman) es un pescador que busca su independencia económica por lo que decide realizar su propio proyecto e invierte todos sus ahorros para comprar un extraño bote rescatado de un naufragio que poco se sabe de su anterior tripulación para utilizarlo como bote de paseo, y así ser capitán de su propio barco. Después de una ardua reparación y los reproches de su esposa Sarah (Emily Mortimer) realizan la primera excursión de prueba con destino a Hamilton (capital de la Isla Bermuda) para establecer la ruta de viaje y de paso realizar una aventura en familia para subsanar errores del pasado. Junto a ellos están sus dos hijas, Mary y Lindsey, el novio de la mayor y el amigo y socio de David, Mike (Manuel Garcia Rulfo).

Como es de esperar, la famosa leyenda pesquera se vuelve realidad y empiezan a aparecer los cuerpos putrefactos ocultos en la oscuridad, puertas que se cierran, pesadillas y la presencia de una entidad siniestra que desea algo más que atormentar a la tripulación. De manera que la travesía termina en accidente y solo sobreviven algunos de los tripulantes, por lo que la detective Clarkson (Jennifer Esposito) intentará dilucidar los acontecimientos ocurridos en torno al misterioso bote. De esta manera el filme se divide en dos lineas temporales.

El principal problema del film es su falta de definición y de profundidad en el drama que atraviesa la pareja de David y Sarah, y esa relación extraña que hay en torno al amigo, que recuerda en cierto punto al film de Phillyp Noyce, terror a bordo (dead calm, 1989), en cuanto a esa especie de triángulo perverso. Algo que el guionista no supo como explotar mas allá de tener el peso interpretativo de Gary Oldman que por momentos ilumina a la realización con su actuación en cuanto a drama se refiere, muy bien acompañado por Mortimer.

La posesión de Mary pretende ser una película de terror y también falla en eso, los momentos de sustos o jump scares se encuentran desparramados en la historia, pero les falta unión. Como si el film estuviera roto en varias piezas pero falta algo que lo una y le de cohesión. Dicha indefinición se acentúa en el clímax con un final que resulta inconcluso. Es más debido a ello se asemeja más a un capítulo piloto de alguna serie que a un largometraje, posiblemente producto de la experiencia de Goi como director de fotografía en numerosos productos televisivos (American Horror Story)

Al igual que sucedió con los que pensaban que el Titanic era indestructible, la producción de Michael Goy pecó de soberbia al pensar que con la mera presencia de un actor oscarizado como Gary Oldman se podía llegar lejos, pero más allá del talento actoral, nada puede hacerse cuando las bases son débiles, en este caso esa estructura es el guión que imposibilita que todo siga su curso. De esta forma todo termina en un naufragio, hundiéndose en el océano cinematográfico.
Calificación:* (Mala)

Título original: Mary (2019) - País: Estados Unidos - Director: Michael Goi - Guión: Anthony Jaswinski - Fotografía: Michael Goi - Intérpretes: Gary Oldman, Emily Mortimer, Manuel García Rulfo, Jennifer Esposito, Stefanie Scott, Chloe Perrin, Owen Teague - Música: The Newton Brothers  - Duración: 84 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Owen Teague y Gary Oldman en la posesión de Mary (IMDb)

Cuidado con lo que descargás - Comentario de la hora de tu muerte (2019)

La muerte se actualiza a los nuevos tiempos y te avisa cuando vas a morir a través de una aplicación.

Por Ricardo Diaz

Desde la app que te permite editar fotos hasta la que te recuerda cuando tenes que tomar agua, las aplicaciones se han convertido en moneda corriente entre los millones de usuarios de dispositivos electrónicos, mas precisamente celulares. Esta premisa es la que usa Justin Dec para su debut detrás de cámaras y como guionista.

Dentro de los appstores existe una aplicación que puede decir el momento exacto en que una persona va a morir, pero lo que debería ser un simple juego, se torna siniestro al descubrir que lo que muestra la app es real, comenzando la cuenta regresiva para quien se haya atrevido a saber su hora final.

El film que podría haber sido de alguna forma novedoso, se vuelve aburrido porque dentro de la búsqueda por ganarle al relojito de la parca, la enfermera protagonista (Elizabeth Lail) sufre acoso por parte de su doctor y jefe (Peter Faccinelli), por lo que el realizador hace una combinación extraña entre el terror provocado por la entidad que la persigue para que no viva ni un segundo más de lo permitido, y al mismo tiempo esboza el tema de la violencia de género pero de una manera muy superficial,  restándole a la historia que ya de por si agoniza a medida que transcurre el tiempo.

El film recuerda en ciertos aspectos al film de James Wong, destino final (2000), pero en aquella cinta nunca se la corporizaba a la muerte, era más bien una presencia y el suspenso que lograba la originalidad de cada uno de los decesos era una de sus virtudes. En el film de Deck se la muestra y no provoca el efecto deseado ya que es la típica imagen de un ser con una túnica negra y un rostro calavérico vista infinita de veces hasta en dibujos animados.

La película nunca se decide qué rumbo tomar. Al principio parece que va a jugar con el fatalismo y lo inevitable del destino, después surca por dramas laborales y finalmente toma el camino trillado de la maldición que busca venganza, por lo que no faltan las alucinaciones, los errores del pasado y la ayuda de algún sacerdote muy extraño (P. J. Byrne). Todas estas incursiones generan que la hora de tu muerte nunca logre definirse.

Los personajes no se destacan, a excepción del que interpreta Tom Segura como el dueño de una tienda de electrónica (la escena de la cliente que va a cambiar su celular es sin dudas la mejor). El resto del reparto está porque tienen que estar, son como pasajeros que transitan la película pero no la viven, no la sienten.

Hoy en día todos descargamos constantemente aplicaciones a nuestros celulares sin detenernos a leer los famosos "términos y condiciones", dándole acceso a nuestra privacidad con extrema facilidad, solo con el hecho de probarla o seguir lo que es tendencia. Hasta las nuevas formas de conocer gente hoy en día es aveces por medio de una app, y sin dudarlo compartimos nuestra intimidad, y nuestros datos viajan por el éter virtual sin tener seguridad de dónde terminan. Countdown, intenta mostrar esa imprudencia en la que estamos insertos en materia virtual. Pero el resultado de este experimento quedaría en una etapa beta (la fase de prueba de las aplicaciones), por lo que seguramente lleguen nuevas actualizaciones intentando corregir sus errores y eso sí da miedo.

Calificación: ** (Regular)

Título original: Countdown (2019) - País: Estados Unidos - Director: Justin Deck - Guion: Justin Deck - Fotografía: Maxime Alexandre - Intérpretes: Elizabeth Lail, Jordan Calloway, Talitha Eliana Bateman, Pater Faccinelli, Tom Segura, P. J. Byrne - Musica: Danny Bensi, Saunder Jurriaans  - Duración: 90 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Elizabeth Lail y Jordan Calloway en la hora de tu muerte (IMDb)

El imperio de la fuerza - Comentario de Star Wars: el ascenso de Skywalker, 2019

El capítulo final de la nueva trilogía define de una vez por todas (?) el destino de la galaxia que ha estado en guerra en el cine hace más de cuatro décadas.

Por Ricardo Diaz

El estreno de un nuevo episodio de la Guerra de las Galaxias siempre genera expectativas en el publico y con ellas surgen detractores y defensores, quienes afirman que la historia se compone únicamente de la trilogía iniciada por George Lucas a fines de los setenta y los que abrazan los nuevos episodios que expanden el universo ya creado y así poder entender mejor a los personajes y profundizar más la lucha entre la luz y el tan temible lado oscuro.

La nueva continuación creada por J. J. Abrahms en el 2015 con el episodio VII, el despertar de la fuerza, cargaba con el peso de arrancar desde cero nuevamente y el resultado final era positivo porque lograba presentar nuevos héroes y mas precisamente heroínas y aun así mantener viva la historia original. Cuatro años después es hora de darle el broche de oro.

La Resistencia liderada por la Princesa Leia (Carrie Fisher) ha sido prácticamente diezmada luego de los acontecimientos del episodio VIII y La Nueva Orden está próxima a liderar la galaxia mediante su Líder Supremo Kylo Ren (Adam Driver). Lo único que se interpone en su camino es la joven aprendiz Jedi, Rey (Daisy Ridley) que deberá ahondar en su confuso pasado para lograr fortalecerse y cumplir con su destino. En esta oportunidad el sorpresivo regreso de Palpatine (Ian McDiarmid) podría suponer el destino de toda la galaxia y cambiar el rumbo en la vida de Rey. 

El film, como sus predecesores, juega continuamente con la nostalgia y en esta ocasión tal vez se contraproducente porque se detiene en eso y en cierta forma "despedir" a aquellos personajes entrañables, descuidando así la historia de sus nuevos protagonistas. Hay elementos confusos en la historia que no se logran entender del todo, como el hecho que sucede al finalizar el vínculo de amor/odio/admiración/hermandad gestado entre Kylo y Rey a lo largo de los episodios, una acción que resulta forzada y destinada tal vez más a saciar las demandas de los fans, quitándole la contundencia que debería tener un final de saga. 

J. J. Abrahams impone su sello en el film. Técnicamente la película es muy buena, el despliegue visual es asombroso, aunque en esta ocasión hay mas oscuridad en gran parte del film por lo que la fotografía es distinta a lo que se vio en los últimos Jedi (2017) destinada a manifestar esa sensación de confusión y desesperanza que se ha generado en gran parte de los personajes con la amenaza de la Orden Final y el inminente retorno de los Sith.

El final de esta nueva trilogía se convierte en un homenaje a todos los anteriores, puesto que Abrahms logra fusionar ambas generaciones en donde los personajes más antiguos cumplen la función de ser los maestros y los nuevos se convierten en los aprendices. Aún así, ese permanente interés en resaltar esa nostalgia descuida a la nueva generación, quedando sus historias en segundo plano  y eso es más notable en este capítulo. De forma que el espectador puede llegar a sentirse estafado, dado que destinó cinco años de su existencia en estos últimas entregas y al terminar se siente disconforme porque esperaba más. Además, el desenlace del film no cierra definitivamente el círculo Skywalker y termina como empezó en 1977 ya que nuevamente existe una nueva esperanza y por ende seguramente mas aventuras y nuevos episodios futuros en una galaxia muy muy lejana.

Calificación: ***(Buena)

Título original: Star Wars: Episode IX: The Rise of Skywalker (2019) - País: Estados Unidos - Director: J. J. Abrahms - Guion: Chris Terrio, J. J. Abrahms - Fotografía: Dan Mindel - Intérpretes: Daisy Ridley, Adam Driver, Carrie Fisher, John Boyega, Oscar Isaac, entre otros - Musica: John Williams  - Duración: 142 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Daisy Ridley y Adam Driver en Star Wars: el ascenso de Skywalker (IMDb)

Eterno resplandor - Comentario de doctor sueño (Mike Flanagan, 2019)

Por Ricardo Diaz

Nuevos chicos que resplandecen y el regreso al famoso hotel Overlook en la continuación del film de Stanley Kubrick.

La adaptación del libro de Stephen King en los años 80 de la mano de Stanley Kubrick dejó imágenes icónicas en el cine, entre ellas las dos gemelas rubias con sus vestiditos celestes, el ascensor del que brota sangre a borbotones y la inolvidable escena en la que Jack Nicholson se asoma por la puerta luego de abrirla a hachazos. Este film en cuestión era El Resplandor, una historia que se tomaba bastantes licencias respecto a la obra del maestro del terror (motivo que hizo que el propio Mr. King hiciese su propia versión en los noventa con una versión de cinco horas de duración). Aun así la cinta de Kubrick se convirtió en un clásico del cine de terror. Todo el miedo se reducía a una familia encerrada en un hotel en las montañas donde de pronto empiezan a suceder cosas extrañas y la persona a la que amas de golpe se convierte en tu peor pesadilla y en el miedo mas profundo.

De esa primera historia sobreviven madre e hijo, el cual tiene una especie de don que lo hace más perceptible a ciertas experiencias, este talento es lo que se llama resplandor. Con el paso del tiempo Dan Torrance (Ewan McGregor) parece haber seguido los pasos de su padre convirtiéndose en un alcohólico y busca pleitos, olvidándose de su extraño talento, pero con la ayuda de un amigo (Cliff Curtis) logra mantenerse sobrio y trabajar en un hospital para gente terminal ganándose el apodo de doctor sueño porque él esta presente en sus últimos momentos. Toda esta aparente tranquilidad se termina cuando una niña con sus mismas habilidades comienza a comunicarse con Dan a través de mensajes en una pared y por pensamiento. Esta niña busca ayuda porque existe desde tiempos infinitos un grupo llamado El Nudo Verdadero, compuesto por seres que buscan la inmortalidad mediante la tortura de niños alimentándose como vampiros de lo que ellos llaman "vapor" contenidos en aquellos que "resplandecen".

En esta segunda parte se expande el concepto del resplandor e interviene directamente lo sobrenatural, alejándose en parte del suspenso del film de Kubrick, convirtiéndola en una cinta mas dinámica. Inclusive logra muy buenos momentos de terror como cuando el Nudo Verdadero sacrifica a un niño para alimentarse de su poder en una escena brutal no apta para sensibles. 

Lo interesante de doctor sueño (y esto sin haber leído el libro) es como se funde en varias ocasiones con su historia predecesora, hasta llegar al clímax, donde se amalgama por completo con el film del director de Lolita en la secuencia inicial de la cinta de los 80 con su clásica banda sonora que provoca un gran impacto en el espectador. Mike Flanagan (Oculus) mezcla el pasado y el presente retomando la historia del Overlook para desarrollar el desenlace, y toda la atmósfera negativa y opresiva que representa ese lugar se ha mantenido aun latente, como un monstruo adormecido, esperando pacientemente, para volver a alimentarse. Este recurso, además, de alguna forma enmienda las libertades creativas de Kubrick con la novela original y a su vez sirve para cerrar el vínculo padre/hijo del personaje de Dan y de alguna forma hacer lo que su progenitor no pudo cuando él era tan solo un niño de cinco años.

El reparto elegido es acertado. McGregor logra componer la versión adulta de aquel chico que luego de lo vivido en la infancia ,se encuentra en un camino de autodestrucción muy parecido al de su padre, pero con la ayuda necesaria y la aparición de la pequeña Abra Stone (Kyliegh Curran) obtendrá un propósito en su vida que le hará enfrentar sus demonios y miedos de una vez por todas. Rebecca Ferguson compone a Rose The Hat, la lider del Nudo Verdadero. Con un aspecto similar a la cantante de Four No Blondes, Ferguson transmite la locura y la frialdad de este ser casi inmortal, aunque por momentos roza la exageración.

Mike Flanagan no es la primera vez que adapta material de Stephen King, ya que en el 2017 llevó a la pantalla chica el juego de Gerald, una historia mas intimista y realista con un buen resultado. Con doctor sueño logra combinar el drama de la vida de Dan para evitar el legado de su padre y de alguna manera bloquear su don, con el terror y lo paranormal de este grupo que viaja por el país en busca de niños que resplandecen. La combinación de realidad/sueño/mente en algunas escenas la vuelve interesante desde el punto de vista creativo y técnico, dando como resultado un film entretenido con algunas dosis de terror. 

Doctor sueño es poco probable que se convierta en un clásico del género con el paso del tiempo porque el espectador de ahora consume otra cosa, busca lo expeditivo, el impacto directo, es un espectador pasajero, y eso es lo que aporta la realización de Flanagan; un producto para ser devorado ahí en el momento y que satisfaga el hambre voraz de la nueva generación. Es por ello que solo va a quedar el eterno resplandor.
Calificacion:***(Buena)

Título original: Doctor Sleep (2019) - País: Estados Unidos, Inglaterra - Director: Mike Flanagan - Guion: Mike Flanagan - Fotografía: Michael Fimognari - Intérpretes: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Cliff Curtis, Zahn McClarnon - Musica: The Newton Brothers  - Duración: 152 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson y Kyliegh Curran en Doctor Sueño (IMDb)

Acá en enlace al canal de Youtube con el comentario https://youtu.be/cEozJkBS-7k

Ella vendrá - Comentario de Terminator, destino oculto (Tim Miller,2019)

Por Ricardo Diaz

Los Terminators regresan al cine en una nueva entrega de la saga hombres vs. máquinas o en esta ocasión mujeres vs. robots.

James Cameron en 1984 nos presentaba al asesino perfecto, Terminator. Un cyborg cuya misión era eliminar a la madre del futuro líder de la resistencia humana contra las máquinas en un futuro post-apocalíptico. Dicha madre era interpretada por Linda Hamilton, dándole vida a Sarah Connor, una simple camarera que de un momento a otro se veía involucrada con robots exterminadores, gente del futuro y la carga de ser la única que podía detenerlo todo, convirtiéndose en una verdadera guerrera atravesando las tormentas que hubiese en su camino (y suena la musiquita de fondo)

Siete años después, la batalla continúa, pero esta vez el objetivo es John Connor, hijo de Sarah. Con la ayuda de un nuevo Terminator, escapan de un robot de metal liquido, explosiones, y "hasta la vista, juicio final", en lo que se convirtió en una de las mejores secuelas de la historia del cine. Como es de esperar la saga siguió multiplicándose pero ya sin el apadrinamiento de papá Cameron.

Toda esta introducción es necesaria porque en Terminator, destino oculto se vuelve a la linea temporal del film de 1991, de hecho empieza donde terminó, más específicamente en 1998, un año después de haber evitado la aniquilación humana. Una secuencia inicial que es impactante y bien lograda, que sienta las bases del título del film. Veintidós años después la acción se traslada a México con la llegada de dos nuevos terminators en busca de Dani Ramos (Natalia Reyes), una obrera de una planta automotriz, que será la nueva mesías de otro posible futuro distópico.

En esta ocasión quien protege a Dani es Grace (Mackenzie Davis, Blade Runner 2049) una humana soldado del futuro que es mejorada biónicamente incluyendo fuerza y velocidad sobrehumana, mientras que la maquina exterminadora es un Rev-9 (Gabriel Luna) formada por un esqueleto metálico y un exoesqueleto de metal líquido polimimético, capaz de separar ambas partes con total funcionalidad, convirtiéndolo en un Terminator brutal e imparable.

Para esta nueva entrega James Cameron regresa, pero como escritor y productor. Y en ese aspecto, el film sale poco favorecido. El nuevo futuro en donde una Inteligencia Artificial llamada Legión es la responsable de la nueva extinción de la raza humana no queda muy bien explicado y la semilla de la resistencia que recae sobre esta niña mexicana no es muy convincente, carece de dramatismo y profundidad. 

Al terminar T2: Juicio Final (1991) Sarah decía que si una máquina lograba comprender el valor de una vida humana, tal vez nosotros también podamos. Esta idea se utiliza para justificar la presencia del obsoleto T-800 (Arnold Schwarzenegger) o Carl como se hace llamar en esta oportunidad. Su personaje tiene implicancia en los eventos que suceden y en la nueva tarea a la que se dedica el personaje de Hamilton hace más de dos décadas. 

El clímax del film es uno de los mejores aspectos, en donde hay una justa combinación de efectos, acción y emoción. Una amalgama de pasado y futuro que logra sensibilizar, en especial a quienes crecieron con la saga creada por Cameron. 
Tim Miller  (Deadpool) logra captar ese espíritu a lo largo del film evocando momentos presentes en las dos entregas de la saga y principalmente en los momentos finales. además le agrega ciertas dosis de humor, como en la escena en la que Carl se ve frente al espejo y hace el amague para ponerse sus famosos anteojos oscuros de sol mientras de fondo se escuchan los clásicos acordes compuestos por Brad Fiedel. El director logra en gran medida crear un film adrenálinico, cargado de acción, tal vez con un exceso de efectos especiales en ciertas ocasiones que los hace poco orgánicos por más de que se trate de robots del futuro.

Terminator, destino oculto se adapta a los momentos actuales ya que muestra el conflicto con los inmigrantes ilegales mexicanos que se convierten en prisioneros/detenidos, como así también el empoderamiento de la mujer se manifiesta en la cinta. Sarah Connor, Dani y Grace forman un trío que no necesita de ningún macho man para hacerle frente a cyborgs asesinos, soldados y agentes fronterizos, aunque siempre la ayuda de un T-800 que diga "hasta la vista, baby" es útil.

Calificación:*** (Buena)

Título original: Terminator: Dark Fate - País: Estados Unidos, España, Hungría - Director: Tim Miller - Guion: David S. Goyer, James Cameron (Story) - Fotografía: Ken Seng - Intérpretes: Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabiel Luna  - Duración: 128 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Linda Hamilton, Mackenzie Davis, Gabriel Luna y Arnold Schwarzenegger en Terminator, destino oculto (IMDb)

La divina comedia - Comentario de Guason (Todd Phillips, 2019)

Por Ricardo Diaz

Un viaje a las profundidades de la psiquis del príncipe del crimen de las calles de Gótica prueban que los cómics son mucho mas que un mero entretenimiento infantil.

Quien escucha nombrar al Joker sabe de quién se habla, ya sea por haber leído algún cómic o por su encarnación en la pantalla grande, pero poco se sabe de su razón de ser, qué lo hizo convertirse en una fuerza caótica imparable capaz de cometer los actos mas terribles detrás de una pálido rostro y una enloquecedora risa infernal.

Todd Phillips (amigos de armas, ¿qué pasó ayer?) es el encargado de mostrar esa historia. Arthur Fleck (Joaquin Phoenix, ella) es una persona solitaria que padece una enfermedad mental que le provoca risa repentina en momentos de tensión o estrés. Trabaja como payaso y sueña con ser comediante. Aunque esto es irónico  porque su vida parece una constate tragedia. Es menospreciado, golpeado, burlado y humillado por prácticamente todos los que lo rodean, excepto su madre (Frances Conroy, american horror story) que vive con él y también parece ser alguien inestable.

El tono oscuro y sórdido del film está marcado desde su comienzo, mostrando al personaje de Phoenix introduciendo sus dedos en la boca para fingir una sonrisa que no existe hasta el momento, de hecho es como la representación viva de las máscaras de teatro donde la alegría y la tristeza se funden en una sola, dado que cuando Arthur ríe en realidad esta sufriendo. Esa amalgama emocional es escalofriante.

Phillips usa la mitología comiquera para contar una historia sólida de principio a fin. Un drama trágico, violento y hasta emotivo y eso lo vuelve un film destacable, polémico y de alguna manera peligroso al intentar justificar de alguna forma el accionar de este ser atormentado que inclusive es visto como héroe dada la podredumbre que existe en la ficticia Gotham City.

El desempeño de Joaquin Phoenix es insuperable, parece haber nacido para componer a Arthur Fleck y a su bufonesco y psicópata alter ego. Su mirada triste y melancólica esconde una furia y locura palpante que poco a poco va emergiendo, dando lugar al Guasón mas real y humano que ha visto el cine, dejando a sus anteriores encarnaciones como meros payasitos infantiles. Es una transformación hipnótica, ver como el personaje se libera absolutamente de todo y al fin puede reir verdaderamente. 

Phillips ademas de dirigir el film, es responsable del guión y logra exprimir y concentrar años de historietas de este villano para entregar lo mas mas puro de él y por ende intenso. Capta esa locura psicótica que lo hace capaz de romperle la cabeza a alguien y al instante actuar como si nada hubiese sucedido. 

Joker es un film que puede ser disfrutado por cualquier espectador dado el realismo y la profundidad que logra el director y Phoenix . Los seguidores del universo comiquero tambien son complacidos ya que el director muestra de alguna forma cómo los destinos del Joker y su rival vestido de murciélago se cruzan y de alguna manera el por qué de ese vínculo perverso que mantienen hace años, en donde ninguno se atreve nunca a ponerle fin definitivamente, como si estuvieran unidos y ambos se necesitasen retorcidamente.

Guasón es un claro ejemplo de que basarse en comics no significa hacer películas cargadas de efectos especiales y grandes presupuestos, porque toda esa parafernalia quita lo principal: una buena historia. Así que pongamos una sonrisa en nuestras caras 😀

Calificación *****(Excelente)

Título original: Joker - País: Estados Unidos, Canada - Director: Todd Phillips - Guion: Todd Phillips, Scott Silver - Fotografía: Lawrence Sher- Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beets, Frances Conroy, Brett Cullen  - Duración: 122 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Joaquin Phoenix en Joker (IMDb)

Recuerdos de ayer - Comentario de Yesterday (Danny Boyle, 2019)

Por Ricardo Diaz

Tras el olvido mundial de la banda británica mas conocida de la historia musical se esconde la típica historia romántica y de autosuperación.

Dentro de la eclecticidad en la filmografía de Danny Boyle (quien quiere ser millonario, en trance) se destaca siempre su originalidad a la hora de llevar a cabo la historia y esa especie de oscuridad que suelen esconder la mayoría de sus obras, sin embargo Yesterday se aleja de todo ello y a medida que avanza el film esto se hace más notable.

Jack Mallick (Himesh Patel) sueña con ser una estrella de rock desde su época escolar cantando covers de Oasis, pero este deseo cada vez se torna mas difícil. Pero una noche luego de un apagón masivo en todo el mundo (sí, así como leen), la banda The Beatles es borrada de la mente de las personas, excepto al parecer de la de Jack, quien luego de dudarlo, comienza a tomar crédito de sus canciones, convirtiéndose en la nueva sensación musical de toda Inglaterra. Pero no tardará en darse que hay cosas mas importantes que ser un rockstar. Ese algo es Ellie Stappleton (Lily James, Cenicienta), su representante y amiga incondicional. La relacion entre ambos es la responsable del titulo del film (los que conozcan la letra de la canción sabrán lo que digo).

Durante casi dos horas, el film recorre las canciones mas conocidas del cuarteto británico en la voz de Mallick que hace un esfuerzo por recordar las letras (Eleanor Rigby, es la figurita difícil, y a medida que la película avanza se puede entender el por qué) mientras se debate si hace lo correcto en asumir la autoría en la composición.  

La película pretende homenajear a The Beatles, pero se queda a mitad de camino. Es solo una sucesión de temas utilizados para musicalizar el film. La grandeza de sus creaciones que en mas de una ocasión se le atribuye es superficial, de hecho se convierten en un producto masivo dada la rapidez con la que el personaje de Patel "compone". Y por ese "deber" que siente el personaje en dar a conocer el arte de la banda que cambio al mundo. 

Tampoco es muy claro que pretende Richard Curtis (guionista del film). Porque además del olvido de los cuatro de Liverpool, hay otras amnesias colectivas, las cuales funcionan para darle humor al film, pero no se sabe si pretende decir que el mundo esta mejor sin ellos o no. O si simplemente fueron elementos azarosos destinados a olvidarse.

¿De donde vienen las personas solitarias? Nadie lo sabe. Pero en algunas ocasiones con un poco de ayuda se descubre que todo lo que se necesita es amor para que la vida continúe y así dejar el ayer.

Calificacion: *** (Buena)

Título original: Yesterday - País: Inglaterra, Rusia, China - Director: Danny Boyle - Guion: Richard Curtis - Fotografía: Christopher Ross - Intérpretes: Himesh Patel, Lily James, Ed Sheeran, Joel Fry - Duración: 116 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Himesh Patel Y Lily James en Yesterday (IMDb)

Y Colorín Colorado... (Comentario de Había una vez...en Hollywood,2019)

Por Ricardo Diaz

Un viaje mágico a la era del Nuevo Hollywood en los años sesenta, demuestra nuevamente el talento de Tarantino para mostrar su pasión por el cine y jugar como si fuese un niño y hacer las películas que él quiere.

Si hay alguien que sabe de cine es Quentin Tarantino (Pulp Fiction). Toda su carrera como director es una prueba de ello. En sus films siempre hay referencias a elementos de la cultura pop y para aquellos cinéfilos avezados varias referencias a clásicos de la industria cinematográfica, de manera que cada nueva obra se convierte en una especie de juego de búsqueda del tesoro para encontrar esos pequeños guiños.

En esta ocasión su nueva fantasía transcurre en pleno apogeo de lo que se conoció como el Nuevo Hollywood, a fines de la década del sesenta. En este contexto está Rick Dalton (Leonardo DiCaprio, el lobo de Wall Street) una estrella de cine cuya carrera se encuentra en declive y su amigo  y doble de riesgo Cliff  Booth (Brad Pitt, Bastardos sin gloria). 

La película se asemeja a los "documentales dirigidos" que surgían en la famosa fabrica de sueños. Prueba de ello es la iluminación utilizada, los planos elegidos, como la escena en donde el plano subjetivo representa la visión del espectador dentro del auto en el que viajan Sharon Tate (Margot Robbie, Suicide Squad) y Roman Polanski a una fiesta en la mismísima Mansión Playboy, y una voz en off que por momentos relata lo que se observa. Solo en el final descubrimos las verdaderas intenciones de Tarantino y nos entrega un clímax antológico.

El director usa su obra para mostrar la realidad que se vivía por aquel entonces: el avance de la cultura hippie y cómo era vista por ciertos integrantes, como es el caso de Dalton que los detesta por su filosofía de vida; esa idea de contracultura que se gestaba en ese tiempo. Así mismo se aprovecha de esto para mostrar al famoso clan llamado "La Familia"(liderados por Charles Manson), responsable de uno uno de los eventos que conmocionó a la industria pero con la mirada que solo Tarantino puede tener. (Prefiero evitar spoilers para el que no conoce lo sucedido en Agosto de 1969).

Quentin, quizás, entrega su mejor realización hasta la fecha, porque es como una conjunción en parte de todos sus trabajos previos y a su vez una invención dentro de su filmografía. Robert Richardson (Djando desencadenado) hace maravillas como director de fotografía, otorgándole a las escenas esa apariencia granulosa y saturada, que junto con el vestuario y la puesta en escena, por unas horas se viaja en el tiempo. La banda sonora es otro de los lujos con los que cuenta el film, meticulosamente elegido convirtiéndose en otro personaje permitiendo que este cuento sea creíble. 

Su dirección logra potenciar todos los recursos que tiene, por ello, las interpretaciones de Dicaprio y Pitt sobresalen. La singular amistad de ellos es única. Leonardo convence con este actor que hace todo lo posible para mantenerse en el firmamento de Hollywood y no pasar al olvido. La escena en el set de Western con la pequeña Trudi (Julia Butter) es magnífica, el diálogo y las miradas entre ellos. En esos pequeños detalles se nota la fascinación y el respeto de Tarantino por lo que hace. Por su parte, Brad compone a este doble de riesgo que se convierte en una suerte de chaperón incondicional de Dalton. También cabe destacar a Margot Robbie representando a Sharon Tate, que deslumbra con su belleza y esa ingenuidad e inocencia evocando a  la verdadera esposa de Polanski, provocando cierta nostalgia.

Como todo film tarantinesco, no faltan las referencias a otras películas. Ejemplo de ello, es la escena en la que Margot Robbie viaja escuchando Mrs Robinson de Simon & Garfunkel referenciando a El graduado (1968); o cuando Rick Dalton llama Hooper a uno de los integrantes del clan en referencia a Easy Rider (1969), película dirigida por Dennis Hopper y significó un éxito y contaba el viaje en auto de unos hippies. Sus actores fetiches también están presentes (vale la pena descubrirlos por uno mismo). Las participaciones especiales de Al Pacino interpretando al productor Marvin Schwarz  y Timothy Olyphant como James Stacy (el actor a vencer por  Dalton en un verdadero duelo), terminan de darle forma a esta fantasía.

El cine es una forma de ver la realidad, una interpretación parcial de lo que el realizador entiende y su manera de reaccionar ante ella. Pero también, a veces, como hace Quentin Tarantino, se puede  escapar de esa "realidad" y contar otra como un cuento, en donde siempre se empieza por había una vez...

Calificación***** (Excelente)

Título original: Once upon in time...in Hollywood - País: Estados Unidos - Director: Quentin Tarantino - Guion: Quentin Tarantino - Fotografía: Robert Richardson - Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Timothy Olyphant, Al Pacino, Emile Hirsch, entre otros - Duración: 161 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie en había una vez...en Hollywood (IMDb)

Emancipación sobre ruedas - Comentario de Rapidos y Furiosos presentan: Hobs Y Shaw, 2019

Por Ricardo Diaz

El primer spin-off de la saga tuerquera mas longeva muestra que hay otras historias por contar sin perder la acción de alto octanaje.

Nadie puede negar que el universo creado por Rápidos y Furiosos cumple la función de entretener a través del despliegue visual y un desfile sinfin de autos de altísima gama super tuneados haciendo proezas increíbles. Todo ello en pos de salvar el mundo bajo el mando del patriarca Dom Toretto (Vin Diesel), pero toda la historia siempre estuvo en torno a él.

En esta ocasión el recto y honorable Luke Hobs (Dwayne Jhonson, la falla de San Andres) y el renegado agente britanico Deckard Shaw (Jason Stathan, el mecánico) se alejan momentanemente de la sombra del pelado musculoso y deberán trabajar nuevamente juntos a pesar de sus diferencias para salvar el día de una amenaza global a manos de un soldado modificado genéticamente (Idris Elba, titanes del pacífico)

El film sigue las reglas típicas de la franquicia original: héroes que practican la halterofilia , autos asombrosos, un villano de turno, mujeres rudas capaces de agarrarse a piñas con cualquiera que les falte el respeto y lugares paradisíacos. Sin embargo David Leitch (Deadpool 2, John Wick) logra incorporar algo más a la fórmula, una especie de back to basics, pero sin perder la impronta de la saga.

En estos tipos de films el argumento pasa a segundo plano porque a fin de cuentas uno ya sabe como terminará la cinta. Lo que importa son las escenas de acción increiblemente coreografiadas que rozan lo increible y a su vez posibles para estos dos grandes héroes de acción que demuestran una gran química en pantalla. El permanente chicaneo entre uno y otro es un elemento divertido que sumado a la intervencion de Hattie (Vanesa Kirby), hermana de Shaw, como posible interes romántico del ex luchador de la WWE realza la química entre los dos interpretes. Idris Elba como Brixton también cumple con su rol, encarnando a este "superman negro" como él mismo se define. Un ex soldado ególatra  que busca una venganza personal pero a fin de cuentas sólo es un peón del verdadero villano oculto en las sombras.

En un momento el film resulta redundante y a partir de ahí es cuando aparece la novedad de ahondar en el pasado de Hobbs y su familia. De esta forma la acción se traslada a Samoa, y este es el principal atractivo de este spin-off. Todos lo familiares del personaje de Johnson se alian y el climax se convierte en algo salvaje y rudimentario en donde las pistolas hiper tecnológicas son reemplazadas por hachas, garrotes y danzas guerreras. Claramente el fuerte del realizador son las peleas (el mismo ha sido doble de riesg) por eso puede darse el lujo de subir el nivel y arriesgarse porque sabe lo que hace y conoce cómo llevarlo a cabo. De igual manera a pesar de la batalla continua, las toneladas de balas disparadas y los kilos de explosivos se mantiene el gran lema de la toda la saga: la familia.

El final puede funcionar como un cierre para estos personajes o como un preludio para lo que puede venir en las próximas entregas de Rapidos y Furiosos, ya que algo o alguien es el responsable de todo lo que sucede en el film y promete volver. Pero mientras eso sucede la vida sigue corriendo a un cuarto de milla a la vez.

Calificación ****(Muy Buena)

Título original: Fast & Furious presents: Hobbs & Shaw - Pais: Estados Unidos - Director: David Leitch - Guion: Chria Morgan, Drew Pearce - Intérpretes: Dwayne Johnson, Jason Stathan, Idris Elba, Vanessa Kirby, Hellen Mirren, Eiza González - Música: Tyler Bates - Duración: 137 minutos.

***** (Excelente) - **** (Muy Buena) - *** (Buena) - ** (Regular) - * (Mala)

Fotos de los textos: Jason Statham, Dwayne Johnson e Idris Elba en Rápidos y Furiosos presentan: Hobbs & Shaw (IMDb)